La brújula del canto

Dime cómo hablas y te diré si te escuchan

2012-03-07T12:15:00.001+01:00

Observando y tratando con personas que emplean su voz como herramienta profesional me he dado cuenta de que la forma en la que comunican tiene mucho que ver con los resultados que obtienen.

Un buen profesor, conferenciante, comercial, locutor, etc. maneja su voz de manera que consigue mantener la atención de la audiencia sin que se tenga que hacer esfuerzo alguno. De hecho a veces escuchamos aunque el tema no nos interese especialmente sólo por la manera de hacerlo.

La buena noticia es que cualquiera puede mejorar sus competencias para hablar delante de un público si se lo propone. De hecho las personas que saben expresarse delante de otras sienten una gran satisfacción y placer al hacerlo.

Las personas que mantienen la atención de la audiencia lo hacen por varias razones:

1. Son competentes en la materia y tienen un discurso preparado o estructurado.

2. Sienten la necesidad de comunicarse y generalmente lo hacen con convicción y pasión.

3. Disfrutan hablando delante de otras personas, les estimula y les enriquece.

4. El mensaje es comunicado sin rodeos, de manera ordenada y fácil de seguir.

5. Poseen una buena emisión del sonido y los oyentes no se desconectan, el oyente no tiene que hacer un esfuerzo de escucha.

6. El orador tiene una buena técnica vocal natural o adquirida.

En cambio las personas que se comunican sin tener en cuenta alguno de estos aspectos acaban teniendo dificultades para ejercer su labor con el consiguiente sentimiento de frustración o insatisfacción ante la labor comunicativa. Estas son algunas causas:

1. Cuando nos hablan de una forma monótona, en la que la voz no se modula entre varias alturas (grave-agudo), nos entra el sopor, aún recuerdo a un profesor que tuve por lo soporíferas que eran las clases, no la temática. Igual que el traqueteo de un tren nos induce a dormir, una voz que no está modulada provoca el mismo efecto.

2. Cuando uno se convierte en un orador metralleta, es decir, aquel que enlaza una frase o concepto con otro sin darse tiempo a respirar, y por lo tanto sin dejar respirar a la audiencia. Este hecho agota a ambos. Los que escuchan necesitan un momento para reflexionar y el orador debería tomárselo si no quiere tener problemas vocales a la larga. En este caso, respirar en el lugar y de la manera adecuada mejorará la atención y el proceso comunicativo.

3. Cuando se tiende a forzar la emisión para que la voz alcance a toda la audiencia. El orador acaba gritando y la audiencia se siente violentada ante la forma de recibir el mensaje.

4. Cuando el orador emite su mensaje sin tener en cuenta la respuesta que despierta en la audiencia... es importante interpretar el Lenguaje No Verbal (LNV) para identificar los giros que necesitamos adoptar en el discurso. Comunicar un mensaje implica solicitar una actitud de escucha activa, por eso el orador debe manejar la situación para implicar a la audiencia.

Pronunciación en el canto

2012-03-01T11:06:00.000+01:00

Tanto los cantantes de música clásica como los de música moderna deben afrontar el reto de cantar en otros idomas y para ello hay que tener en cuenta una serie de pautas:

1. El cantante debe familiarizarse con el idioma a través de la escucha del mismo ya sea con canciones y cantantes nativos, viendo películas, etc. Se captará así la sonoridad de cada idioma y particularidades de entonación.

2. El cantante debe conocer el significado de aquello que está cantando. Debe interiorizar el mensaje que tiene que transmitir y vivirlo, el texto debe ser siempre la hoja de ruta del cantante. Hoy en día y gracias a la tecnología disponible no es demasiado complicado. Existen páginas que tienen las traducciones de gran parte del repertorio de canciones clásicas (pincha Letras) y disponemos del traductor on-line que nos traducen el texto que les introducimos. Google incluso te lo pronuncia!!!

3. Si se quiere tener una gran precisión en la pronunciación y seguridad en la interpretación debería adentrarse en el mundo de las transcripciones fonéticas, es decir, conocer el alfabeto internacional, aquí un recopilatorio de los principales idiomas: inglés, francés, italiano y español.
Os dejo aquí los ejemplos del IPA.

Taller: Mejora tu voz en TEDxValencia

2012-02-23T15:54:00.001+01:00

El próximo 30 de marzo tendrá lugar en las instalaciones de Coworking Valencia Valencia el Taller "Mejora tu voz" para los colaboradores y asistentes al evento TEDxValencia. Para más información visitad la página de TEDxVALENCIA

Zarzuela para principiantes

2012-02-22T10:52:00.001+01:00

Nuestro país tiene una gran riqueza musical impresionante en este género, para los poco entendidos o los que se están iniciando en este mundo es importante saber que la zarzuela fue una variante "a la española" de la ópera.

Es importante destacar la cantidad de referencias a la música popular y a las danzas propias de nuestra cultura: jotas, tangos, habaneras, pasodobles, etc. que fueron uno de los secretos de su éxito. El público sentía esta música cercana, la entendía y la retenía y luego la cantaba, formaba parte de su bagaje musical.

Durante una época la zarzuela sufrió un descrédito inmerecido, quizás porque las producciones, más modestas que las óperas, en muchas ocasiones pecaban de falta de calidad y este hecho desmereció el género. Lo cierto es que cantantes como Pilar Lorengar, Pácido Domingo, Alfredo Kraus, Montserrat Caballé, Ana María Sánchez, Pedro Lavirgen y un largo etcétera han hecho mucho por dignificar el género y apostar por representar zarzuelas con alto estandard de calidad.

Como ejemplos más representativos y he procurado que fueran representaciones y no en versión concierto para que podais contextualizar el género. Espero que os gusten.

Luisa Fernanda de Moreno Torroba: Dúo de Carolina y Javier

La Revoltosa de Ruperto Chapí.

Tiene una primera parte hablada, una segunda parte a modo de recitativo y la tercera parte es una jota.

La del manojo de rosas de Sorozabal: Dúo pasodoble.

La Tabernera del Puerto de de Sorozabal. Romanza de Leandro

¿Cómo oyes tu voz?

2012-02-15T08:16:00.002+01:00

Muchas veces nos hemos sorprendido cuando hemos oído una muestra grabada de nuestra voz. Quien de nosotros no se ha sorprendido pensando "¿Esta es mi voz?". Y luego ha pensado "¡Qué horror!". No porque la voz sea fea sino porque no estamos acostumbrados a escucharla solamente por vía aérea.

Es importante saber que nuestro cuerpo es nuestra propia caja de resonancia y que tenemos dos vías simultáneas para percibir nuestra voz: una interna, debido a que la transmisión del sonido se hace fundamentalmente a través de la vibración de ósea y otra externa, en la que el sonido se transmite por vía aérea y es la que percibimos con el oído. Por tanto, el feed-back auditivo se realiza por conducción aérea y por conducción osea y cada persona percibe simultáneamente los dos. Cuando escuchamos a otra persona sólo percibimos la vibración aérea.

La onda sonora emitida por la persona cuando habla o canta vuelve a su oído por conducción aérea tras haber sido modificada por las características acústicas de la habitación o la sala donde emite el sonido, es lo que se conoce como reberveración y tiene que ver con las características de la sala, responde a la expresión "Este sitio tiene buena o mala acústica" porque hay espacios que generan una sensación de comodidad al hablar o cantar. Al mismo tiempo, la onda sonora que se emite al hablar o cantar se transmite al oído por conducción ósea provocando sensaciones fisiológicas que mejoran el feedback. Las vibraciones emitidas por el aparato fonador son transmitidas al nervio auditivo y es allí donde se procesan.

La técnica vocal nos permite tener un mayor control de la voz ya que vinculamos las sensaciones proprioceptivas, es decir, las sensaciones que experimentamos en los espacios de resonancia, a un resultado sonoro, independientemente de la sala en la que se emita el sonido. La adquisición de esas sensaciones que permiten un mayor control se aprenden con ayuda de un profesor de técnica vocal y llega un momento en el que se automatizan.

Cómo llevarse bien con los pianistas y viceversa

2012-02-10T09:43:00.001+01:00

Entre los cantantes y los pianistas se establece una relación peculiar, algunas veces amor-odio ;), que es necesario saber gestionar. No me refiero a la relación profesor de repertorio y alumno de canto sino a la relación entre dos profesionales que tienen que trabajar conjuntamente y que ambos tienen sus opiniones y criterios definidos.

La base de toda buena relación tanto personal como profesional es el respeto y por ello no se debe pensar que uno está por encima del otro y demostrarlo con cada hecho y cada palabra. Es necesario que se establezca un equipo de trabajo en el que exista una buena comunicación y se valoren las opiniones de los dos profesionales dentro de los roles que cada uno desempeña.

Para ello es necesario tener en cuenta que los pianistas son profesionales serios que quieren hacer bien su trabajo y para ello necesitan unas condiciones mínimas.

El cantante debe tener en cuenta que está en su mano mejorar la relación teniendo en cuenta lo siguiente:

- Partituras legibles, es decir, una buena fotocopia que no tenga cortes en las partes de piano, que estén pegadas y/o encuadernadas, que tengan marcadas las respiraciones del cantante de antemano (no tiene por qué adivinar dónde respiras).

- El pianista está para trabajar musical e interpretativamente la obra y su tiempo es tan valioso como el tuyo, por ello es fundamental ser puntual (su tiempo es tan valioso como el tuyo), tener una actitud receptiva y no justificar los errores sino corregirlos o tomar nota para hacerlo más tarde en tu momento de estudio.

- Has de pensar que el pianista está para ayudar y por ello necesita que el cantante lleve las obras bien aprendidas (texto y música), así él te podrá aportar otro tipo de conocimiento. El ensayo es un momento para crecer musicalmente como dúo y no para que el cantante aprenda su parte.

- El pianista puede ayudarte a elegir un repertorio o darte su opinión, pero para un ensayo deben estar acordadas las obras que se trabajarán para evitar pérdidas de tiempo y esfuerzo. Decide previamente qué repertorio cantarás y házselo saber al pianista. Igual que a ti no te gusta cantar sin preparar las obras, al pianista no le gusta trabajar "a salto de mata" (cambiar el repertorio a cada momento) aunque sea capaz de hacerlo.

- El pianista ayudará con temas referentes a: entradas difíciles, afianzar la afinación, temas de medida, aspectos formales (textura, armonía y relación con el significado del texto), cuestiones dinámicas... el resto es cosa del cantante.

Por otro lado el pianista debe tener en cuenta:

- Si la obra está recién aprendida o el cantante ya la tiene interiorizada. En el primer caso debe centrarse en asegurar: entradas, dinámicas, cuestiones formales, etc. En el segundo caso se trabajará el conjunto y la interpretación global de la obra por parte de los dos intérpretes.

- Es bueno hacer una interpretación completa de la obra (canción, aria, etc), valorar concretamente qué es lo que ha fallado y posteriormente trabajarlo y valorar qué se debe trabajar individualmente y qué se debe trabajar en conjunto. Se pueden encontrar casos en los que los pianistas no dejan cantar dos notas seguidas y este hecho puede generar una sensación de importencia y frustración en el cantante que es poco constructiva.

- En el momento de la actuación cada cual debe asumir su rol y si el pianista comienza con un tempo más rápido o más lento, el cantante debe tener claro el tempo en el que quiere cantar, el pianista se dará cuenta y se adecuará al mismo. Es responsabilidad del cantante ser consciente de que lleva las riendas en este aspecto y no al revés.

Taller: Mejora tu voz / Millora la teua veu

2012-02-03T11:38:00.000+01:00

Hola a todos:
Durante los sábados 11 y 18 de febrero de 2012 impartiré el taller "Mejora tu voz" en el Aula de música 12Notes de Villareal (Castellón).

El taller está dirigido a los profesionales que trabajan con su voz y quieren mejorar su eficiencia: profesores, comerciales, actores, etc.

Las plazas están limitadas para poder trabajar de manera práctica con todos los participantes.

E precio es de 50 euros para los dos días.

En el siguiente enlace teneis toda la información referente y si teneis alguna pregunta no dudeis en contactar en isavillagar@hotmail.com

Enlace a la página de facebook

Dime cómo desaprendes y te diré cómo aprendes

2012-02-03T10:00:00.001+01:00

En el proceso de aprendizaje es muy importante el contenido que asimilamos y también la manera en que lo hacemos. Son muchos los investigadores que han estudiando las maneras en que aprendemos las cosas, qué significados les atribuimos, qué utilidad les sacamos, como experienciamos el conocimiento.

Si en los comienzos de cualquier actividad somos conscientes de la importancia de este hecho nos ocuparemos de proporcionar y provocar sentimientos y sensaciones que mejoren la predisposición al aprendizaje y que metan al alumno en la rueda del sí: "Me sale, estudio, mejoro, me sale mejor..."

En el caso del canto, es fundamental asimiliar los procedimientos y la manera en que vivenciamos el acto físico de cantar, qué patrones musculares activamos, qué emociones imprimimos en el aprendizaje y que creencias tenemos sobre aquellos que hacemos.

Si estamos aprendiendo algo nuevo tenemos que ser muy tolerantes y tener una actitud abierta y concentrada ya que si incorporamos creencias del tipo: "esto es muy difícil", "siempre me pasa igual", "no puedo", etc. iremos creando una pauta mental de que para cantar necesitamos sentir que es difícil, que cambiar no es posible y que no podemos hacer las cosas.

Por eso creo que, muchas veces, el trabajo que tenemos que hacer es el de creer que si que podemos hacer los que nos propongamos. Recientemente leí una cita que decía "Tanto si crees que puedes como si crees que no puedes... tienes razón".

Y ¿Qué pasa cuando el mal ya está hecho? Es decir, cuando ya hemos incorporado patrones negativos en nuestros procesos de aprendizaje (la mayoría de las veces sin ser conscientes de ellos).

En mi opinión hay que desaprender y para ello hacen falta grandes dosis de humildad y de trabajo consciente. Mi experiencia me dice que cuando a tu mente y a tu cuerpo le das opciones (mentales y musculares) más eficientes y que provoquen mejores sensaciones estas se incorporan y los viejos patrones se sustituyen de manera progresiva. Obviamente hay que pasar por un proceso de autobservación y estar guiado por un profesional y aprender a distinguir e incorporar las nuevas sensaciones.

El círculo del 99... para músicos

2012-02-02T12:51:00.000+01:00

"Había una vez un hombre que se había vuelto el más ávido de la localidad. Tan ávaro era que él mismo se sintió muy preocupado por el estado de avaricia qye contaminaba su mente y no le dejaba disfrutar ya de nada que exigiera un gasto por mínimo que fuera.

Oyó hablar de un sabio que había sido muy rico y había renunciado a todo para vivir austeramente en un bosque, había donado su fortuna y vivía con lo mínimo.

El hombre ávido fue a visitarlo y le dijo:

- Yo era en una época un hombre generoso, te lo aseguro. Pero empecé a ganar dinero y cada vez me volví más obsesionado por el mismo y más avaro. Al principio era sólo avaro con los otros, pero luego empecé incluso a ser avaro conmigo mismo.

-Bueno, otros disfrutarán un día de lo que tú estás acumulando- dijo sarcásticamente el yogui.

-Eso pienso, pero ni aún así logro superar mi avidez. ¡Es horrible, pero no puedo evitarlo!

-Tienes una enfermedad muy grave -aseveró el sabio-. No creas que la padeces tú solo. Hay mucha gente que la padece, aunque eso no sea un consuelo, al contrario.

-¿de qué enfermedad se trata?- preguntó el hombre alarmado.

-Padeces la enfermedad del círculo del 99.

-¿El círculo del 99? - preguntó el hombre extrañadísimo.

-Así es. Cuando has alcanzado 99 te dices: "Voy a llegar a 100"; cuando has logrado 199, te dices: "Voy a legar a 200" y así sucesivamente. No tiene fin. Padeces la enfermedad del círculo del 99.

-¿Y por qué lo sabes?

-Es evidente, pero además -repuso el sabio-, también yo la padecí. Por eso dejé todo y me he recuperado, aunque me temo que la mayoría de las personas siguen hasta su muerte con esa enfermedad. En fin, amigo, otros disfrutarán de todo aquello que tú acumulas."-

Creo que este cuento nos enseña muchas cosas y hoy quiero hablar de la sensación que existe a menudo entre los músicos de que siempre se puede mejorar. Muchas veces ese pensamiento se convierte en "no soy suficientemente bueno" y nos paraliza, entramos en el círculo del 99 por la ávidez de ser los mejores. Aunque no sea por el dinero, es otra clase de avidez que contamina el espíritu.

La realidad es que ser un buen profesional es suficiente para darnos permiso para disfrutar de lo que hacemos y para abrir las puertas a una mejora sana y consciente. Siempre tenemos que aprender de la vida pero no debemos quitar valor a lo que ya tenemos. 99 monedas de sabiduria es un dineral!!!!

Recursos musicales para cantantes

2012-01-27T11:00:00.006+01:00

Hemos empezado el año con un interesante proyecto, un planeta de blogs de profesores de música de conservatorios y escuelas de música llamado GUIDOBLOGS, se trata de un conglomerado organizado por especialidades y que recoge la reflexión y la experiencia de profesionales de la música : Pincha aquí para acceder

Siguiendo la estela de Guidoblogs, uno que me ha parecido interesantísmo es el de PAPELES DE MÚSICA, que aglutina una cantidad ingente de enlaces a bibliotecas virtuales, a recursos fonológicos, a revistas de música etc. Pincha aquí para acceder

La biblioteca de la Universidad de Indiana ofrece una gran cantidad de partituras que se pueden descargar en pdf, están ordenadas por compositor. Pincha aquí para acceder

La universidad Mozarteum de Salzburgo ha puesto a disposición de los internautas la obra completa de Mozart. Pincha aquí para acceder

Podéis acceder a un montón de traducciones de óperas, canciones y lieder de varios compositores e idiomas teneis estos dos enlaces:

Recmusic: Pincha aquí para acceder

Kareol: Pincha aquí para acceder

Espero que os resulten interesantes y los consultéis frecuentemente para vuestro aprendizaje musical y vital.

Ópera para principiantes. Primera parte

2012-01-20T10:00:00.009+01:00

En muchas ocasiones he oído la frase “A mi la ópera no me gusta”, generalmente, como pasa con todo estas personas han tenido una primera y mala experiencia que les ha provocado una predisposición negativa hacia el género. Nadie empieza a leer empezando por el Quijote, así pues, cuando nos introducimos en un nuevo mundo debemos hacerlo con curiosidad y dejarnos sorprender primero, para luego acceder a un mundo maravilloso. Para ello se ha de empezar por aquellas obras que son asequibles para pasar a obras de más complejidad ya sea por el tipo de música o por la temática.

En esta entrada voy a proporcionar títulos para el público novel. ¡¡Espero que disfrutéis!!

La Boheme de Puccini

Es la historia de un amor entre un pintor y una costurera en el París bohemio del siglo XIX.

Vídeo: aria en la que Rodolfo se enamora de Mimi cantada por Pavarotti.

La Traviata de Verdi:

es la historia de un amor imposible entre una cortesana y un jóven al que su padre aparta de ella.

Video: aria de Violeta cantada por Joan Sutherland

La hija del regimiento de Donizetti:

es la historia de de una chica que se cría en un regimiento y que considera su familia.

De gran agilidad y situaciones divertidas.

Vídeo: lección de música cantada por Luciana Serra

El barbero de Sevilla de Rossini

es la historia de un conde que se quiere casar con una muchacha y se hace pasar por pobre.

Vídeo: Largo al factorum, aria de Fígaro cantada por Mario Lanza

Espero que os resulten interesantes los fragmentos que he propuesto como introducción.... otro día más.

En mi casa me sale!!

2012-01-11T13:00:00.005+01:00

Cuántas veces, como estudiantes hemos pronunciado esa frase cuando éramos alumnos y cuántas veces como docentes, la hemos escuchado.

Está comprobado que la productividad merma bajo situaciones de presión exterior o circunstancias diversas y ante esta realidad debemos preguntarnos qué podemos hacer en lugar de conformarnos con la excusa vana que no nos ayuda sino que nos mantiene en el problema.

Lo natural y humano es justificarse con el “En mi casa me sale”, la realidad es que debemos desarrollar otro tipo de estrategias que nos permitan crecer cada vez que nos escuchemos decir la frasecita...

Como docentes, debemos explicar a nuestros alumnos que esta realidad es común a todas las personas y que se debe fundamentalmente a pensamientos que bloquean la acción. Queremos demostrar, en muchas ocasiones, que hemos estudiado mucho, que somos buenos alumnos, que tenemos interés en aprender, que no queremos decepcionar a nuestros profesores, a nuestros padres e incluso a nosotros mismos. Este tipo de pensamientos interfieren en la acción y dejamos de estar en un estado de concentración plena en la acción que estamos realizando.

A nivel práctico, un primer paso sería explicar a los alumnos la manera de neutralizar esos pensamientos que bloquean la acción a través de preguntas que les hagan contextualizar la situación. ¿Qué sucede cuando te equivocas?¿Qué pretendes demostrar?¿Por qué piensas que no voy a darme cuenta de tu esfuerzo?¿Que sucede en tu cuerpo cuando te equivocas? Verbalizando los pensamientos se relativizan y es posible neutralizarlos y sustituirlos por acciones que nos saquen de donde estamos para llevarnos a alcanzar las competencias que necesitamos.

A mis alumnos les suelo decir que la clase es un laboratorio de experimentación y que, sólo a través de ella podemos descubrir cosas nuevas, dar permiso para que entre el error, la inexactitud y la equivocación distiende el ambiente y favorece la concentración.

Otra cosa que propongo es que se graben las clases; cuando uno está en clase está concentrado en hacer muchas cosas a la vez y tiende a magnificar los errores, generalmente uno tiene una percepción de los sonidos emitidos peor a la real. Si el alumno escucha la clase en el sofá de su casa de una manera relajada se impregnará de la información e otro estado emocional y de percepción de una manera más receptiva, comprendiendo que la mejora pasa por el descubrimiento de las posibilidades y estás, por probar experiencias nuevas que llevan implícitas el error y la inexactitud.

Desde el punto de vista del alumno es importante que sepa que tras el error no se acaba el mundo, nos enseñan en el colegio que el más listo es el que menos se equivoca, la realidad es que uno puede no equivocarse por dos razones: por listo o por ni siquiera intentarlo. Esto último sucede muy a menudo en el mundo d ella música, la baja tolerancia al error y al fracaso hace que el alumno se bloquee tan solo al intentarlo. Siempre digo que somos perfectamente imperfectos y que cuanto más se intente más opciones de éxito existirán, es cuestión de poner a trabajar a nuestro favor a la estadística.

Dejemos entrar el error para alcanzar nuestros objetivos.

Esquemas de aprendizaje

2012-01-06T13:24:00.000+01:00

Todos aprendemos organizando la información y creando esquemas mentales que nos ayudan a sistematizar y organizar el mundo que nos rodea.

Cuando queremos aprender algo nuevo es necesario que, a partir de estructuras mentales básicas, esquemas sencillos y vínculos con realidades conocidas nos adentremos en la nueva materia o realidad.

La realidad sonora no es diferente de las demás, por eso es necesario conocer el punto de partida del alumno, es decir una evaluación diagnóstica que determine aquello que conoce y aquello que no y elaborar una secuencia de actividades que permita la asimilación de los contenidos en su zona de desarrollo próximo donde el alumno puede aprender.

Cuando se trabaja con niños el docente debe ser consciente de que ellos no tienen esa capacidad de análisis y extrapolación que tenemos los adultos y deberemos describir el proceso de aprendizaje cada vez que se aborde una obra nueva. Los niños aprenden sobre todo por imitación. Los alumnos adultos son diferentes, hay que proporcionales un marco conceptual básico, el marco del cuadro, me gusta decir a mi, para luego pintar dentro de él.

En cualquier caso la información debe proporcionarse de una manera ordenada, para fijar los procesos y procedimientos de aprendizaje y para que el alumno elabore sus propios criterios siempre con lógica y coherencia.

El docente debe conocer la manera más adecuada para proporcionar la información y adaptarse a las características del alumno. Es necesaria una gran flexiblidad mental y una gran capacidad para explicar una misma cosa de muchas maneras.

En relación al canto es necesario que el docente tenga un gran criterio técnico y pedagógico para guiar la ecuación vocal del alumno, debe proporcionar anclajes sólidos en el aprendizaje de la técnica vocal y por ello debe saber qué aspectos son prioritarios en el aprendizaje, por ejemplo, hasta que el alumno no empieza a respirar bien es difícil corregir la articulación.

Con respecto al repertorio debe tener claro los recursos técnicos se van a trabajar y debe tener en cuenta numerosos aspectos para que las obras realmente enseñen a cantar de una manera cómoda, sin tensiones y estrés.

La brújula del canto os desea Feliz Navidad

2011-12-22T13:56:00.002+01:00

Quiero compartir con vosotros un video, Ella Fitzgerald nos canta "Have yourself a merry little Christmas".

Feliz Navidad y que el 2012 traiga mucha y buena música.

Pd: Releed las entradas de la higiene y no cometais excesos vocales!!!

El minifundismo musical

2011-12-08T17:33:00.000+01:00

Estos días reflexionaba a cerca de la cantidad de iniciativas que se ponen en marcha por parte de personas capaces, competentes y con ganas de trabajar y las dificultades que tienen para crecer por una falta de visión global. Actuamos localmente pero no pensamos globalmente y eso parece ser el talón de Aquiles de los artistas.

Necesitamos como colectivo crecer y reforzar alianzas, cooperar y trabajar en equipo para aunar esfuerzos y ¿por qué no lo hacemos? Mi opinión es que pecamos de una falta de visión, de amplitud de miras. Es necesario empezar a pensar en que si a muchos de nosotros nos va bien a todos nos irá mejor, más fuerza tendremos como colectivo y más consideración se tendrá como sector económico que da trabajo a muchas familias y enriquece a la sociedad.

Creo que es necesaria una reflexión a cerca de la manera de hacer cultura en este país y ello implica que pensemos por qué nos va como nos va, donde está la raíz de los problemas.

Es muy fácil echar la culpa a los políticos, a que la gente no valora el talento, pero no creo, sinceramente, que esta sea única y exclusivamente la causa. ¿Qué hacemos nosotros para dignificar la profesión? ¿Qué iniciativas emprendemos como colectivo? ¿Quienes son nuestros interlocutores ante las administraciones? ¿Por qué somos un sector olvidado por los sindicatos mayoritarios?

No sabemos comunicar el mensaje de la importancia de la cultura, del arte en la vida de las personas y como manifestación de la identidad de una sociedad. No sabemos plantear los problemas en las instituciones. No nos implicamos en la lucha por los derechos del colectivo. No colaboramos con otros profesionales si no es estrictamente necesario. Muchos artistas viven encerrados en una especie de "cárcel mental" de pensamientos limitantes, de envidias, de competitividad insana, de estrechez de miras, de conformarse con poco...

Pensemos de qué manera podemos empezar a romper esa "cárcel mental" y empezar a manifestar aquello que nos hace grandes como personas y como artistas.

Lo importante es cantar bien

2011-12-03T10:10:00.000+01:00

Cuando un cantante empieza a tener una cierta competencia con su voz empieza a querer cantar cosas cada vez más difíciles y acaba por pensar que es mejor cantante por cantar una determinada obra sin pararse a reflexionar y a escuchar, en muchos casos, cómo lo está haciendo.

Lo que define a un buen cantante por encima de todo es el cantar bien el repertorio que elija. No es la cantidad sino la calidad de la interpretación lo que a la hora de la verdad cuenta. Uno debe conocer muy bien su voz y saber qué puede y qué no puede cantar. En la entrada Criterios para seleccionar canciones ya comentaba qué aspectos había que tener en cuenta a la hora de elegir. Como me decía una profesora que tuve "hay que llevar un zapato en cada pie para caminar" y ese zapato se tiene que ajustar a nuestras medidas y no al contrario.

La posibilidad de cantar obras de mayor dificultad la da una buena secuenciación del repertorio que asiente la técnica y fomente el control y la competencia del cantante con su voz y es tarea del docente indicar las obras apropiadas para cada momento. Por ello, no hay que tener prisa, no se debe atosigar al alumno y sobre todo se debe tener una visión de futuro con el repertorio y saber que hay obras que llegarán a nuestro repertorio con el tiempo.

Abordar repertorio que supera nuestras posibilidades no hace más que fomentar la inseguridad, la sensación de incompetencia y por ello, si tenemos estas percepciones debemos pararnos a reflexionar si estamos en el buen camino. Cantar debe provocar sensaciones de plenitud y alegría y no sufrimiento y amargura!!!

Clasificación de las voces.

2011-11-27T12:33:00.001+01:00

Casi todos conocen la clasificación general de las voces. Las masculinas se dividen en tenor, barítono y bajo y las de mujer en soprano, mezzosoprano y contralto.

Sin embargo detrás de esta clasificación general nos encontramos que en cada grupo se hacen subclasificaciones que tienen que ver con otras características propias de la voz como pueden ser el timbre (más claro o más oscuro), la agilidad (la capacidad de hacer notas rápidas), el volumen (más o menos potencia). Estas cualidades no son excluyentes entre sí y pueden encontrarse infinidad de combinaciones puesto que podemos escuchar voces potentes, ágiles y con un determinado timbre en cualquier tipo vocal masculino o femenino.

No me voy a extender el las subclasificaciones (soprano ligera, lírico-ligera, lírica, tenor ligero, lírico, lírico-spinto, bajo profundo, bajo buffo. etc...) ni en los ejemplos porque se pueden encontrar fácilmente en la red (wikipedia tiene varios artículos que detallan las mismas).

Es importante saber que las voces tienen una evolución natural si se trabajan bien y que ante todo se ha de respetar la vocalidad en cada momento. Siempre digo que nunca se ha de perder la sensación de comodidad al cantar y que el aumento de las dificultades o exigencias vocales se ha de producir de manera progresiva y secuenciada.

La primera clasificación vocal que hace un profesor la hace en función del sexo, de la tesitura y del timbre (muchas veces llamado color de la voz) pero conforme se va trabajando la voz puede emitir juicios más concretos sobre el tipo vocal de cada persona. Estudiar un aria determinada del repertorio propio de cada tipo vocal puede ayudar a discernir el tipo de voz en función de la facilidad que manifiesta el cantante al interpretarlo.

Hay un factor constitucional que ayuda a la clasificación pero no es determinante es que, con cierta frecuencia, las sopranos ligeras suelen tener una figura estilizada, más bien de constitución pequeña y atlética y en cambio las sopranos líricas suelen ser más corpulentas. Los bajos y los bartítonos suelen ser altos y atléticos y los tenores más bajitos y de constitución pícnica.

Es difícil clasificar de una manera exacta las voces porque las voces cultivadas evolucionan en el tiempo porque generalamente se enriquecen en armónicos. Así encontramos cantantes que van afrontando diferente repertorio en función de la madurez vocal que se adquiere con el tiempo, generalmente tendiendo a papeles más líricos y dramáticos con la edad.

Los alemanes tienen una manera peculiar de clasificar las voces, en función de los roles de ópera que pueden interpretar, llamada FACH-SYSTEM. En este enlace podéis ver qué tipo de roles se le presupone a cada tipo vocal: Fach-system. Este sistema facilita a los teatros con cantantes en plantilla la contratación en función de las óperas que se programarán.

Escuchar para cantar

2011-11-18T12:16:00.002+01:00

Cada día soy más consciente de la importancia de tener un amplio y rico bagaje musical para ser un buen cantante. No es posible hacer una música que antes no se ha imaginado y no es posible imaginarla si antes no se han producido estímulos sonoros suficientes en la persona y éstos se han fijado en la memoria.

Cuando una persona empieza a estudiar música debe preocuparse por tocar o cantar y también, igual o más, por escuchar cantidades ingentes de música.

Que conste que no estoy diciendo que se estudie con una grabación de oído como a veces he visto que hacen algunos cantantes, debemos ser capaces de leer e interpretar una partitura y hacer nuestra la interpretación. Digo que la escucha de versiones de las obras que estudiamos nos ayudan en el proceso de aprendizaje para: observar los tempos, las respiraciones, las cadencias, como resuelven técnicamente un pasaje otros intérpretes, etc.

Tampoco estoy diciendo que se prescinda de la experiencia de escuchar música en directo ya que supone una experiencia humana que el disco no puede sustituir. Digo que en el proceso de formación de un músico o un cantante no se deben despreciar los recursos disponibles para facilitar el progreso y el desarrollo del mismo.

Hoy en día tenemos toda la música a un click de distancia, ya no es necesario tener muchos recursos para poder escuchar varias versiones de una misma obra interpretada por diferentes artistas. Youtube, goear, spotify, vimeo, etc... nos permiten escuchar on-line y hacer un ejercicio de discriminación auditiva impensable hace años. Naxos ofrece la posibilidad de escuchar a través de una suscripción anual toda la música que ha grabado.

No hay excusa para no hacerlo, tampoco la falta de tiempo lo es porque hoy en día se puede escuchar la música en cualquier lugar, mientras se camina, en el autobús o en el tren gracias a los dispositivos portátiles.

Cuanta más música se escucha mejor músico se es, más se educa el oído, más capacidad de apreciar diferentes matices se tiene, más criterio técnico y estilístico se adquiere, más imaginación sonora y más creatividad interpretativa se desarrolla.

El valor económico de la cultura

2011-11-11T11:18:00.001+01:00

Es de sobra sabido por todos que uno de los pilares económicos de España era la construcción, pero es el momento de darse cuenta de que eso se ha acabado y no va a volver. Suponían el 8% del PIB (Producto Interior Bruto, es decir, la riqueza del país) y de repente nos encontramos con que somos un 8% más pobres y nos tenemos que ajustar el cinturón para seguir hacia delante.

Creo que es importante reflexionar a cerca de aquello que realmente es importante en un país y qué tipo de actividades pueden ser generadoras de riqueza a medio y largo plazo. España es un país inmensamente rico en patrimonio cultural: arquitectura y monumentos, música, arte, cine, literatura, gastronomía, etc. y creo que todo lo que sea fomentarla y asociarla a otro tipo de actividades económicas como pueden ser el turismo, la hostelería, el transporte, la publicidad, las comunicaciones, etc. puede suponer un gran valor añadido.

Creo que nos equivocamos si decimos que en época de crisis se ha de prescindir de la cultura. La cultura no es un lujo, es una necesidad de expresión de los pueblos. Las actividades educativas no sólo forman a los ciudadanos y les proporcionan ocio, además, pueden ser un importante atractivo para una localidad si consigue realizar un evento, un festival de música, un ciclo de cine, etc. para impulsar su progreso y para ofrecer más oportunidades a sus habitantes.

Es responsabilidad de todos crear esos ocho puntos de riqueza que se fueron y no volverán y explotar las posibilidades de la cultura en todos sus ámbitos puede ser una buena opción.

Luciana Serra, un ejemplo de belcanto

2011-11-04T00:57:00.004+01:00

En este video Luciana Serra nos enseña a través de ejemplos y de su propia experiencia aspectos esenciales en la formación de un cantante.

Si observamos tanto su manera de trabajar como sus explicaciones nos daremos cuenta de una serie de cosas:

- Posee una técnica y un dominio de la voz excepcional, que le permite mostrar una voz mórbida, expresiva y homogénea en todos sus registros que le permite expresar con la voz todo aquello que desea.

- La dicción es clara y nítida y la posición de la boca redondeada le permite una articulación mandibular flexible y a demanda del texto.

- Estudia con un lápiz en la mano para apuntar todo aquello que necesita recordar y muestra una gran serenidad y concentración en aquello que hace.

Lo que ella nos dice:

- Para estudiar una ópera nos explica que primero hay que encontrar el carácter y la personalidad del personaje en la con el texto, encontrar las caracterísiticas que lo definen y lo caracterizan. Después se debe estudiar musicalmente y marcar las respiraciones, las frases, etc. Cuando se ha entendido el personaje se puede cantar el rol de manera que se podrá impregnar la voz de las características del personaje. Se trata de un trabajo de construcción en el que se debe entender al compositor respetando su lenguaje, las pausas, las intenciones, el estilo, etc.

- Su profesor Michele Casatto no sólo le enseñó técnica, también le instruyó en la manera de comportarse en el escenario (la manera de recitar, el movimiento justo, los gestos, la manera de llevar los trajes de época, los sombreros).

- Pone como ejemplo de escuela de canto a Gigli, con una manera de cantar elegante, mórbida, ligera, con fuerza y con la capacidad de cambiar en un momento las cualidades de la voz que permiten su expresividad.

- Los roles cómicos son difíciles porque tienen mucho recitado, porque si se exageran se corre el riesgo de sobreactuarlos y si uno se queda corto el personaje queda soso.

- Nos explica que uno tiene que cantar los roles y las obras que son apropiadas para su voz, hay que aceptar que cada voz posee unas características determinadas. Ella por mucho que quiera nunca será una Turandot.

- Hay que tener un gran sentido de la responsabilidad y del respeto hacia lo que se hace, el trabajo propio y el del compositor y ante todo, respeto al público.

EJEMPLOS DE VOCALIDAD:

- OLYMPIA, de los Cuentos de Hoffmann de Offembach. En el primer ejemplo la señora Serra canta con la voz cubierta, redonda y afinada pero ella misma explica que en ese ejemplo no está Olympia, la voz tiene que tener una cierta mecanicidad y para ello tiene que cantar más ligera y eso nos lo muestra en el segundo ejemplo que hace.

- ROSALINDE, de El Murciélago de Strauss. Es un aria que expresa el sentimiento húngaro y la voz debe adquirir un tono popular. Incide en la importancia de hacer respiraciónes expresivas para resaltar el significado del texto. No tiene sentido hacer una respiración larga hasta el final, esto quita expresión e intención al canto. El texto debe guiar el canto y no al revés.

- MARIE, Hija del Regimiento de Donizetti. Ejemplo de canto legatto. Nos explica que ella imagina el legatto es como un hilo de aire que corre inninterrupidamente entre dos puntos. También explica la necesidad de variación expresiva, con ayuda del texto, de dos frases musicalmente iguales.

- PIRMA DONNA, Le convenieze ed inconvenienze teatrali de Donizetti. Nos pone ejemplos de agilidad donizettiana que es ligera pero ligada y otros ejemplos de agilidad: picado, stacatto, rossiniana.

¿Colegio oficial de músicos?

2011-10-31T16:55:00.001+01:00

Últimamente he comentado con algunos colegas de profesión la necesidad de que los músicos estemos unidos para defender los intereses de la profesión tanto en el ámbito profesional como educativo. Nadie se extraña de que exista un colegio oficial de médicos, de abogados, de arquitectos, de ingenieros, etc. En cambio cuando se plantea entre los propios músicos esa idea parece del todo ajena y muchos te miran con cara de alucinados. Es cierto que para ejercer la profesión no hace falta estar colegiado pero sí que es cierto que muchos problemas que tenemos hoy en día vienen de no tener un estamento que apoye a los músicos, defienda sus intereses ante la sociedad y ante la administración y tenga como fin velar por la dignificación de la profesión en todos los ámbitos: profesional, educativo, legal, etc.

Y pensando en las posibles causas del problema me vienen a la mente varias ideas:

1. Los músicos somos educados de una manera individualista, separatista y muy poco colaborativa y eso configura una mentalidad competitiva que impide el desarrollo de la identidad como colectivo. Creo que se ha de producir un debate desde el respeto y atender a diferentes posturas, opiniones y opciones. Es fundamental que los músicos de diferentes tendencias y ámbitos veamos que estamos todos en el mismo barco.

2. No hay cultura del debate y muy pocos espacios on y off-line permiten un intercambio de ideas. Cuando uno estudia: va a clase, estudia muchas horas, va de aquí para allá y no tiene tiempo ni ganas para intercambiar opiniones. Cuando uno aterriza en el mundo profesional: trabaja, no para y sigue yendo de aquí para allá. Sólo desde desde una posición consciente puede que aproveche los espacios y que intercambie ideas con otros profesionales. Esto es algo que desde hace un tiempo va cambiando y dadas las herramientas tecnológicas de las que disponemos cambiará sin remedio. Un ejemplo son las iniciativas de Jose Luis Miralles que pretende establecer un foro de información y de opinión sobre los temas relacionados con los conservatorios podéis visitarlo pinchando aquí: Debate Oysiao y Renovatorio

3. El desconocimiento de los propios músicos de sus derechos y su falta de espíritu como colectivo es lo que más daño nos hace. Hay personas trabajando por y para los músicos como por ejemplo la Federación Internacional de Músicos a la que está asociada la Asociación de Músicos Profesionales de España AMPE-Músicos que tienen como objetivo principal dignificar la profesión y luchar por los intereses del colectivo. Son interlocutores válidos con las administraciones. Aún así la realidad es que la mayoría de los músicos desconoce su existencia y de sus posibilidades.

Me gustaría que este post nos hiciera reflexionar sobre la necesidad de agruparse, de hablar claro, de unirse, de compartir, de debatir y de aportar todo aquello que cada cual piense que es necesario para el desarrollo del sector, del músico y de la profesión. ¿Por qué no un colegio oficial de músicos que encarne ese espíritu?

Acróstico LA BRÚJULA DEL CANTO

2011-10-23T23:11:00.002+02:00

Palabras que inspiran para comenzar la semana

L ibertad
A rmonía

B elleza
R ealidad
U niversal
J ovialidad
U nica
L ogro
A utenticidad

D inamismo
E nergia
L uz

C reatividad
A mor
N ovedad
T alento
O portunidades

Cuerdas vocales: una imagen vale más que mil palabras

2011-10-15T12:09:00.000+02:00

El sistema fonatorio se puede dividir en tres funciones:
- Respiración: provee de aire que es la fuente del sonido, los pulmones y la musculatura costo-abdominal.
- Fonación: productor del sonido base, las cuerdas vocales.
- Amplificación: propagador de ese sonido base, cavidades de resonancia.

Me gustaría compartir este video en el que se ven las cuerdas vocales de una cantante en acción. Se pueden observar en acción y en reposo, riendo, cantando, hablando, cómo se estiran en las notas agudas, etc.

Dime cómo vocalizas y te diré cómo cantas

2011-10-07T16:45:00.001+02:00

Es de sobra sabido que el trabajo vocal no se basa únicamente en cantar canciones, es necesario preparar la voz antes para calentar la musculatura antes de comenzar a cantar. Primero a través de ejercicios de respiración y después a través de ejercicios de vocalización que trabajen toda la tesitura de la voz con el objetivo de que ésta adquiera un timbre homogéneo y para descubrir y asentar las sensaciones fonatorias que se corresponden con una emisión correcta.

Mediante los ejercicios de vocalización se toma contacto con la realidad de la propia voz, se descubren los espacios de resonancia, se controla la emisión libre y relajada, se experimentan y se fijan sensaciones fonatorias correctas y se diferencian de las que no se corresponden con una emisión libre, se aprende a emitir las vocales en la posición adecuada, se fortalece la musculatura, se coordina el equilibrio aire-sonido, etc.

Es esencial que un profesor de canto supervise su ejecución, sobre todo en los comienzos del aprendizaje vocal para que no se fijen muscularmente sensaciones que no correspondan con una emisión eficiente ya que establecer un patrón muscular incorrecto dificultará el aprendizaje y lo ralentizará.

La secuenciación de los ejercicios de vocalización está relacionada con la madurez vocal del cantante. Al principio se trabajan ejercicios sencillos con intervalos mayores o justos en legatto y poco a poco se van haciendo ejercicios que comprenden otras dificultades (picado, staccatto, mezza di voce, etc).

Secuenciar los ejercicios de vocalización y adecuarlos a la vocalidad de cada persona es todo un arte pero como premisas básicas se recomiendan:

- Realizar ejercicios con boca cerrada.

- Emitir las cinco vocales sobre una sola nota de manera que no cambien las cualidades esenciales del sonido (altura, timbre e intensidad).

- Realizar ejercicios con intervalos pequeños (2ª, 3ª o 4ª)

- Realizar ejercicios con arpegios (8ª, 10ª)

- Realizar escalas.

Cuando se ejercita la voz debe respetarse siempre la comodidad, es decir, los sonidos se descubren de manera progresiva y sin forzar la musculatura de manera que nunca se deben percibir sensaciones de picor en la garganta o disfonía, o cansancio vocal tras su realización. Estos ejercicios constituyen un laboratorio de sonidos en el que se experimenta y por lo tanto requiere por un lado método y por otro lado apertura y flexibilidad ante los descubrimientos que se producen.

Vivo cantando: coro en las enseñazas musicales

2011-10-01T10:00:00.003+02:00

Los profesores de música nos encontramos frecuentemente ante el reto de formar vocalmente a los niños. En mi caso no fue complicado porque soy cantante y la técnica vocal es una de mis pasiones pero sé que muchos docentes no han profundizado tanto en el tema y pensé que mi experiencia podía aportar recursos e ideas para formar al coro musical y vocalmente.

Sobre la base de que los alumnos imitan todo lo que hacemos, he de remarcar que el coro mejorará en la medida en la que el docente mejore sus competencias vocales. Dicho esto, es importante ser constante y estructurar bien las sesiones de las que disponemos y no sobrecargar vocalmente a los alumnos. La elección de las canciones es clave y debe ser un trabajo meticuloso y debe adecuarse siempre al nivel del grupo.

Mi propuesta metodológica está basada en el método Kodály de aprendizaje musical: la lengua materna es fundamental para enseñar a cantar, el folkore es una gran herramienta de aprendizaje sobre todo en las primeras etapas, las dificultades interválicas y rítmicas se han de presentar de manera progresiva, etc.

Recientemente he publicado en versión papel y electrónica el libro "Vivo cantando: coro en las enseñanzas musicales" en el que explico la propuesta metodológica comprobada a través de una invetstigación en la acción. Podeis echar un vistazo a las primeras páginas y adquirir el libro en este link:

Vivo cantando: coro en las enseñanzas musicales

De la mentalidad de escasez a la mentalidad de abundancia

2011-09-21T16:12:00.006+02:00

La mente del músico se va configurando desde que comienza a estudiar siendo un niño, en mi opinión, de una manera un tanto perversa.

El niño tiene que hacer una prueba de acceso para iniciar sus estudios en un conservatorio. Es una prueba de aptitud musical pero la limitación de plazas la convierte en lel primer embudo. Tras esa prueba todos aquellos que quieran estudiar música, lo harán porque sus padres tienen recursos para pagar un centro privado.
Tras cuatro años cursando las Enseñanzas Elementales tienen que superar su "primera oposición" ¡CON 12 AÑOS! en la que sus compañeros de clase se convierten en sus "rivales". Los niños con los que ha compartido experiencias musicales y un día a día, se convierten en "el peor enemigo". Esta mentalidad pervive durante las Enseñanzas Profesionales, en las Enseñanzas Superiores y posteriormente para conseguir una plaza en un Conservatorio, en una Orquesta, en un Coro, para conseguir un papel en una ópera, etc.

Estar en el mundo de la música no necesariamente implica que todos deban hacer una carrera internacional. Hay mucho talento que se puede aportar al mundo de la música desde diferentes ámbitos (interpretación, docencia, composición, contrucción de instrumentos, gestión cultural, investigación, medios de comunicación, etc) porque considero que lo más importante es, además del talento, ser persistente y tener una mente flexible.

Encuentro aberrante el código de conducta que se inculca en la educación musical, que convierte la carrera de música en una competición constante que en muchos casos es causa de una infelicidad inmensa. Son pocos valores humanos (generosidad, amistad, lealtad, etc) los que, a la larga, que prevalecen. Por supuesto, no son culpa exclusivamente de los estudiantes ni de los profesores, es el sistema que vicia y hace que todos se encuentren en un círculo malévolo difícil de superar.

Así, nos encontramos que, cuando en el mundo profesional se hace necesario trabajar en equipo, compartir ideas e impresiones, aprender de los demás, expresars una opinión, etc... la mayoría de los músicos no saben y su código de conducta recela, siempre está la sospecha de si "de verdad me lo está diciendo por bien o para fastidarme".

Cuantas experiencias enriquecedoras nos perdemos, a todos los niveles, por tener el cerebro configurado en una mentalidad de escasez en la que reinan los pensamientos: no hay trabajo, me lo van a quitar, no comparto para que no me copien, mejor no decir lo que hago para que no me tengan envidia, no voy a dar información a mis colegas por si acaso van más deprisa que yo... y así un largo etcétera de pensamientos limitantes que se convierten en un lastre personal y son un foco de insatisfacción.

Sé que pasar de la mentalidad de escasez a la mentalidad de abundancia no es fácil pero quizás cuando revisemos las creencias que tenemos y viendo los beneficios que puede aportar el cambio de actitud en nuestra propia persona y en el entorno, cada cual, desde su humilde lugar, sepa que está contribuyendo a salir de ese círculo vicioso.

Realmente, lo que pensamos lo podemos cambiar,. La cuenstión está en tomar conciencia ,por nuestra propia salud mental, y adoptar pensamientos del tipo: aprendo de lo bueno de los demás, me alegro de que el esfuerzo sea recompensado, si el otro lo ha conseguido le voy a preguntar cómo lo ha hecho, cada persona tiene cosas valiosas que aportar, compartir y mostrar una actitud abierta es más gratificante que encerrarse en uno mismo, la creatividad se expande cuando se comparte, puedo ayudar a otros, merezco la ayuda de los demás, etc.

En mundo ofrece infinitas posibilidades, muchas no son fáciles ni accesibles para todos. Es cierto que hay personas con más o menos suerte. Cada cual ha de recorrer su camino y elegir el precio que quiere pagar. Recomiendo no obstinarse con un único camino y ser persisitente con lo que uno desee desde muchos ángulos. En ocasiones es conveniente revisar los objetivos y los caminos a recorrer y contrastar nuestros sueños con la realidad para no encontrarnos al cabo de los años con que hemos vivido infelices e insatisfechos. Lo cierto es que quedarse en la mentalidad de escasez solo empequeñece y anula a las personas. La mentalidad de abundancia hace crecer y enriquecer el entorno del que la habita. Intentemos salir del circulo vicioso y enriquecer el mundo en el que vivimos.

Sea el mundo como sea, lo importante es cómo quieres verlo y saber que siempre hay muchas opciones que ni te imaginas.

La necesidad de un profesor de canto.

2011-09-16T07:47:00.001+02:00

Muchos sois los que seguís este blog y quizás pensais que sólo por tener nociones sobre la respiración, la emisión, la dicción, etc. podréis cantar bien. Es necesario conocer el marco conceptual en el que nos movemos pero lamentablemente la realidad es muy diferente porque aquello que la mente comprende en poco tiempo el cuerpo tarda en asimiliarlo.

Siempre digo que la técnica vocal es un conjunto de sensaciones corporales y sonoras que se han de contrastar y fijar y, para ello se necesita un profesor. Éste debe estar dotado de un oído excelente, que sea capáz de diferenciar un sonido bueno de uno malo y de proporcionar los ejemplos adecuados a través de su propia voz. El alumno podrá así, mediante la guía y la imitación, realizar un trabajo consciente y fijar en su memoria sonora y muscular aquellos sonidos que le permitirán un uso eficiente de su voz.

La cuestión está en ser consciente del sonido que se emite, fijarlo y repetirlo, si esto sucede así los avances se manifiestan día a día. En cambio, si el sonido que se emite sin control ni supervisión y no se puede repetir de la misma manera, se memorizarán unas referecias sonoras y musculares que pueden ser adecuadas o no y en el segundo caso los problemas aparecerán y será mucho más complicado rehacer una memoria sonora y muscular. Mi consejo: acudir a un profesor desde el principio acelerará el proceso.

El profesor de canto debe respetar los tiempos de aprendizaje, las caracterísicas evolutivas del alumno, los gustos, el nivel vocal, el nivel musical, el estilo. Es una gran responsabilidad para el profesor de canto trabajar con cada una de las voces y adaptar su marco mental al del alumno. Es un trabajo que requiere mimo, amor y tiento.

Ya escribí una entrada sobre la Asociación Española de Profesores de Canto. Para aquellos que os acerqueis a este mundo os recomiendo que consulteis si el profesor está asociado debido a que la propia asociación tiene un código ético de sus profesionales.

Premios bitácoras de blogs

2011-09-13T10:56:00.000+02:00

Podeis votar este blog pinchando aquí:

Aprender a respirar. Gimnasia respiratoria para cantar

2011-09-10T15:59:00.004+02:00

En la primera entrada del blog hablaba de la necesidad de tener una cincha abdominal fuerte para que en el momento de emitir la voz respondiera de una manera flexible (sin un exceso de tensión que crispe toda la musculatura y por tanto la voz).

Todos respiramos con los pulmones y no con el diafragma. El diafragma (el músculo que divide el tórax en dos: en la parte de arriba el corazón y los pulmones y en la de abajo las vísceras) es un músculo muy potente pero no existe voluntad en su uso. Su activación se comprueba de una manera indirecta porque cuando el pulmón se llena tiene la limitación fisiológica de las costillas y hace que la barriga sobresalga y se expanda. En realidad son los músculos abodminales (recto del abdomen y oblícuos) los que controlan que el diafragma no vuleva a su posición inicial rápidamente.

Los siguientes ejercicios nos ayudarán a controlar el soplo y a ejercitar la musculatura implicada en la respiración.

UBICAR AIRE: Sentados, plegar el cuerpo sobre las rodillas y detectar zonas de expansión y que los hombros no se mueven.

GIMNASIA RESPIRATORIA: fortalece musculatura implicada en la respiración

a) Boca arriba colocar pesa (10-15 kilos) sobre el vientre y soplar.

c) Soplar la llama de una vela y apagarla a una distacia de 10 cm.
d) Tomar aire en 6 tiempos, soltar en 6 tiempos.

EJERCICIOS RÍTMICOS Ts-Ts, continuo y con ritmos

El control del aire es fundamental para una correcta emisión, cuanto más lo ejerciteis más naturalmente cantareis.

Tesituras en voces blancas y muda de la voz

2011-09-01T16:07:00.000+02:00

Son muchos los que defienden que no se debe empezar a cantar hasta que suceda, de manera natural y biológica, el cambio de la voz. Estas opiniones vienen desde el mundo de la lírica y se refiere a estudiar canto lírico en el que se realiza un uso intensivo de la voz y se canta en tesituras extremas.

Soy de la opinión de que es posible ofrecer una formación vocal de calidad a los niños y niñas. De hecho, si se aprende el patrón muscular de la respiración, se respeta el periodo de la muda vocal y se elige convenientemente el repertorio los niños adquieren experiencias musicales que conformarán su sensibilidad, su oído y su vínculo afectivo con la música.

Los profesores deben ser conscientes de una serie de premisas que condicionarán el tipo de trabajo y el repertorio adecuado para cada edad. Algunas de ellas son:

- Los niños/as imitarán la manera de cantar del profesor/a, por lo tanto, el docente y su manera de cantar determinarán, en parte, la adquisición de una técnica vocal saludable.

- Los niños/as que reciben formación musical y vocal desarrollan tesituras mayores, ejercitan el oído interno, mejoran sus capacidades psicomiotrices, etc.

- Las tesituras de las canciones siempre deben resultar cómodas y tendentes al empleo de la voz de cabeza. No se ha de forzar a los niños, deben cantar relajados y sentirse "sobrados"

- Las tesituras evolucionan con la edad:

Entre 3 - 5 años: la2 - fa3
Entre 6 - 7 años: si2 - sol3
Entre 8 - 12 años: primera voz: do3 - fa4
segunda voz do3 - re4
tercera voz la2 - la3

La muda de la voz se pruduce en la pubertad cuando tiene lugar el cambio hormonal tanto en mujeres como en hombres. Mientras la muda sucede se debe tener un especial cuidado y respeto por la naturaleza que marcará el rítmo de trabajo vocal. El profesor debe prestar especial atención y aconsejar, en ocasiones, en la etapa de Barítono adolescente, dejar de cantar hasta que se produzca la muda completa.

Las voces presentan unas características peculiares en esta transición fisiológica.

Voces masculinas

Primera etapa: Cambiata: registro la2-la3, síntomas: notas agudas íncomodas, perdida flexibilidad y agilidad, coloración falsetista adulto o contralto. Dura entre 2 meses y 1 año.

Segunda etapa: Barítono adolescente: registro si2-fa3 (re2-re3). Desarrollo acelerado, voz se quiebra incluso se pierde, falsete en notas agudas

Voces femeninas:
Síntomas: pérdida de facilidad en el agudo, emisión pesada, con aire, sin color, delgada. Afinación insegura, ruptura de registros, ronquera, tesitura fluctuante, carraspeo, incomodidad habla y canto.
Todas son sopranos ligeras y deben trabajar todos los registros. No se debe permitir cantar grave siempre. Con el tiempo y el trabajo se podrá concretar el tipo vocal de las voces femeninas.

Cómo preparar una audición - casting

2011-08-27T12:01:00.001+02:00

Cuando el cantante empieza a estar preparado se enfrenta con la cruda realidad profesional que poco tiene que ver con el ambiente de estudio. Y como sucede en cualquier profesión buscar trabajo se convierte en un trabajo mucho más arduo y desalentador.

El cantante ha de estar preparado para recibir nueve NOes antes de recibir el primer SI. Debe conservar la calma y la ilusión por aquello que hace. Habrán buenas y malas audiciones, habrá de las buenas muchas en las que será rechazado por no ajustarse a las demandas de la producción pero es cuestión de estar ahí. Considero primordial aprender de las experiencias y hacer una lectura positiva porque el no ser seleccionado para un trabajo no necesariamente quiere decir que no se esté capacitado para ejercerlo.

Mis recomendaciones son:

- Acudir puntual a la audición, llegar antes para poder reconocer los espacios y poder calentar. No se debe hacer esperar a los organizadores y en el caso de llegar tarde es conveniente avisar.

- Mantener las formas y la buena educación. Saludar a todas las personas que nos encontremos, ya sean de la organización (personal de administración, conserjería, limpieza, etc.) u otras personas que participen en la audición.

- Llevar bien preparadas las obras que se piden y una carpeta con otras obras que se lleven bien preparadas. En ocasiones se pide más de una obra.

- Llevar copias suficientes (para el pianista y los seleccionadores) bien legibles, pegadas y en buen estado.

- Una audición no es un concierto, se debe ir bien vestido y aseado pero sin pasarse.

- Mostrar una actitud abierta y receptiva, responder ante lo que se pregunta de una manera concreta y NO ESTAR A LA DEFENSIVA Y AUTOJUSTIFICÁNDOSE. Uno debe poder cantar en infinidad de condiciones y es muestra de profesionalidad cantar lo mejor que se puede en cualquier circunstancia.

- Mantener una actitud positiva y respetuosa con los otros cantantes que participan en referencia a los turnos, tiempos de vocalización, etc.

- Mantener una actitud deportiva, unas veces se gana y otras se pierde.

Por otro lado, considero fundamental cultivar una red de contactos profesionales. Porque las primeras oportunidades vendrán de las personas que te conocen y confían en ti por tu seriedad, obviamente no lo harán por tu fama...

Hoy en día disponemos de infinidad de opciones para cultivar y mantener esa red de contactos (redes sociales, teléfono, correo electrónico, encuentros, etc) pero lo más importante es dejar de pensar en uno mismo e interesarse por los demás, es decir, ir de la mentalidad de escasez del yo a la mentalidad de abundancia del nosotros. Tratar a los demás como te gustaría ser tratado y entre esto incluyo el ser agradecido con aquellas personas que nos ayudan y nos apoyan directa o indirectamente.

¿Creas y vendes? o ¿vendes y luego creas?

2011-08-19T17:54:00.002+02:00

Un músico debe ser consciente del valor que aporta con su arte a la sociedad. La música tiene el poder de hacer mejores a las personas y de ofrecer experiencias enriquecedoras tanto al que la hace como al que la escucha.

Soy de la opinión de que también es responsabilidad del músico saber llegar al público y crear nuevas maneras de ofrecer su talento: nuevos formatos más ricos y estimulantes para el público del siglo XXI, fusión con otras disciplinas, nuevas tecnologías, etc. Tenemos que saber llegar a estos nuevos públicos con imaginación porque no debemos olvidar que sin público no hay nada.

He observado que muchos músicos, sobre todo en el mundo de la clásica, pasan muchas horas preparando conciertos que nunca llegan a hacer o sólo lo hacen una vez. Diría algo más, en muchas ocasiones, tras un esfuerzo titánico, horas de estudio y sacrificio, regalan su trabajo porque les puede la necesidad de tocar o cantar y ver que su trabajo no ha sido en balde, aunque los únicos que asistan sean sus familiares y amigos. Mi opinión es que de esta manera se establece un círculo vicioso (en el que yo misma me he encontrado alguna vez) que mina la autoestima del músico, su creatividad y su talento. Se queda con la sensación de que no ha hecho suficiente, de que la vida es injusta, de que la sociedad no está preparada para apreciar su talento, etc.

Mi opinión es que el cantante y el músico profesional, es conocedor de sus recursos y capacidades y sabe perfectamente valorar cuanto tiempo necesita para preparar un concierto. El músico profesional se compromete con una actuación si dispone de ese tiempo (medido en horas o días) y generalmente hay tiempo suficiente para prepararlo, de hecho ante un contrato o una actuación se produce un estímulo extra que enriquece el proceso de estudio. Por lo tanto, se pone a trabajar con proyectos en firme y prioriza los compromisos profesionales.

Considero importante que se emplee parte del tiempo en observar las necesidades de los programadores culturales y proponer actividades que se ajusten a ellas. Por ejemplo si se celebra algún aniversario de un compositor, si se hace un concierto para celebrar algún día en especial (día de la madre, del padre, de la mujer, de la música, Santa Cecilia, etc.), si hay un festival, etc.

Concluyendo, cuando el músico se abre al mundo encuentra maneras de enriquecerlo, cuando el músico se queda encerrado en su mundo se convierte en un incomprendido.

Técnica Alexander para músicos y cantantes

2011-08-14T12:57:00.001+02:00

La Técnica Alexander es una manera de reeducar la manera habitual de reaacionar a las demandas de los movimientos de la vida cotidiana y erigir una manera más consciente del uso del propio cuerpo, es una manera global de enteder que el ser humano es un ser integrado (cuerpo+mente) y no partes separadas. No es una postura correcta, no es una terapia, no son ejercicios de realajación.

El trabajo con un profesor de Técnica Alexander consiste en un proceso gradual de toma de conciencia del propio esquema corporal habitual. Para los músicos, este trabajo es beneficioso porque les permite descubrir todo aquello que obstaculiza el movimiento natural y equilibrado de la persona.

La base del trabajo está en considerar al músico como un ser integrado en el que todo (la mente y el cuerpo) está interaccionando de manera simultánea.

Existe una ley del movimiento en los seres vertebrados que se basa en que la relación cabeza-columna organiza el resto del movimiento del cuerpo. En un músico que emplee sus manos, el movimiento no debe partir de las manos en sí mismas sino de la manera en que están conectadas a la relación cabeza-columna.

La Técnica Alexander es beneficiosa para reeducar la percepción sensorial en el espacio. En muchas ocasiones, las ideas que tenemos sobre lo que es correcto no se corresponden con una realidad fisiológica, es decir, no por decir a una persona que se ponga erguida va a corresponderse con esa realidad, muchas veces se corresponde con su idea de estar erguida. Esta diferencia a la hora de percibir el propio cuerpo crea un sistema de compensaciones musculares que tarde o temprano son perjudiciales para la vida y se manifiestan en dolores crónicos. En el caso del los músicos pueden llegar a amenazar su desarrollo profesional.

Gracias a una capacidad del cerebro llamada neuroplasticidad, es decir, la capacidad de crear nuevas conexiones neuronales a partir de la intención consciente, se puede reeducar el movimiento.

Un músico debe aprender a dar prioridad al proceso de adquisición de una técnica musical que le van a permitir alcanzar sus objetivos y no al resultado inmediato.

Mi experiencia con la Técnica Alexander ha sido beneficiosa por varias razones:

- La primera es que me ayudó a tener una mayor conciencia de mi percepción corporal y gracias a ella accedí a una comprensión mayor de mi misma y de lo que sucedía tanto en mi cuerpo como en mi mente.

- La segunda está relacionada con el sistema de percepción humana, un cantante debe asegurarse de que lo que suena fuera se corresponde con el sonido que percibe internamente.

- La tercera está relacionada con el proceso que se sigue para llegar a un fin; en mi caso, el fin (cantar bien) no era tan importante como el proceso de toma de conciencia de lo que estaba haciendo debido a que entiendo que la técnica vocal es un conjunto de recursos conscientes a los que acudir para obtener un determinado resultado.

Por último me gustaría dejaros la referencia de la Asociación de Profesores de Técnica Alexander que avala el ejercicio de sus profesionales y que podéis contactar en el siguiente link Asociación de Profesores de Técnica Alexander de España

Higiene vocal para cantantes y profesionales de la voz. Segunda entrega: Orientaciones a los problemas más frecuentes

2011-08-05T17:52:00.002+02:00

En la primera entrega en la que hablaba sobre la higiene vocal hice un breve repaso sobre los factores de riesgo que pueden ocasionar problemas en la voz. De entrada diré que ante un problema agudo y/o persistente se ha acudir a un otorrino para que valore cada caso.

A continuación haré un breve resumen de los consejos generales, a seguir en cada caso.

1. Catarros: provocan cambios orgánicos que alteran la voz.

1.1. Lo más importante es la prevención mejorando la respuesta del sistema inmunológico: actitud vital positiva, práctica habitual de deporte, buen manejo del estrés y las preocupaciones, alimentación equilibrada, aporte adecuado de vitaminas, permanecer en ambientes ventilados, hablar pausadamente, etc.

1.2. Además del tratamiento adecuado en la fase aguda: beber agua (3-5 litros en 24-48 horas), tomar miel con limón, ducha de agua caliente, vahos con manzanilla, lavado nasal con agua salada, descanso y dormir lo que el cuerpo demande, eliminar el alcohol y el tabaco y bajo preescripción del médico: un atitusígeno, antiinflamatorios, vitamina A+E, etc.

2. Cansancio vocal tras hablar:

2.1. Hablar sin forzar la voz, es decir, a un volumen normal pero tomando aire adecuadamente y vocalizando (no susurrar, se fuerza más).

2.2. Hacer reposo vocal relativo, hablar menos y reeducar la conducta del habla (el reposo absoluto no es recomendable salvo en intervenciones quirúrgicas porque debilita la musculatura de las cuerdas vocales)

2.3. Hablar de manera adecuada, respetar las pausas entre las frases, evitar tensiones musculares con ejercicio moderado, mantener un volumen adecuado y evitar hablar en ambientes ruidosos.

3. Sequedad en la garganta o en la nariz:

3.1. Limpieza nasal por la mañana y por la noche con agua salada.

3.2. Hacer vahos con manzanilla.

3.2. Humedecer el ambiente: pulverizaciones, recipientes junto a los radiadores, tener plantas de interior.

3.3. Restringir la ingesta de café y refrescos con cafeína. Evitar el consumo de alcohol.

3.4. Evitar el uso de colutorios que lleven alcohol.

3.5. Generar saliva (humedad en la boca): chicles sin azúcar, apretar la lengua contra el paladar.

4. Carraspeo, se produce debido a la necesidad del cuerpo de limpiar de moco las cuerdas vocales. El moco se puede generar por una excesiva producción de moco a nivel nasal (Acudir a un otorrino) o a uno problema de reflujo gastro-esofágico o faringo-laringeo. Se debe tratar el problema del reflujo.

La correcta hidratación ayudará a que el moco sea fluido. El carraspeo, así como la tos, se debe evitar ya que suponen una agresión directa a la mucosa que recubre las cuerdas vocales.

5 Picazón en la garganta: puede ser fruto de la tensión y es el primer síntoma de sobre esfuerzo vocal, el comienzo de un catarro o la reactivación de un proceso alérgico.

Es conveniente una adecuada hidratación, un reposo relativo en el caso de tensión vocal.

De Música Española

2011-07-31T18:52:00.008+02:00

Uno de mis intereses como cantante y pedagoga es la difusión de la música española y esta entrada es para recomendar una nueva publicación de Agustín Manuel Martinez, gran pianista y pedagogo , especialista en música española (Web de Agustín).

Acaba de publicar un libro, "De Música Española", que se puede adquirir en versión electrónica o en papel en este link:

De Música Española

En el libro podreis encontrar un ensayo sobre Falla y el flamenco en El Amor Brujo, un poema para poder cantar en tesitura de soprano el Tango de la Suite "España" de Albéniz, un poema incidental para la suite "Sevilla" de Turina, un cuento didáctico sobre el Álbum de Cecilia de Rodrigo y un poema que refleja la esencia del estilo guitarrístico del compositor castellonense Francisco Tárrega. Este último poema ha sido musicalizado por el propio autor y que será un placer poder compartir con vosotros en mis próximos conciertos.

También me gustaría recomendar las transcripciones que este autor ha realizado sobre las últimas obras de Albéniz y Granados que fueron improvisaciones que grabaron antes de morir. Las del primero fueron registradas en cilindros de cera y las del segundo en rollo de pianola y acústicamente. Son obras del periodo de madurez de ambos compositores lo cual avala su calidad. En el caso de Granados es la última obra que podemos interpretar de él ya que fue su último "suspiro musical" podríamos decir, es decir, la improvisó justo antes de que embarcara en el barco Sussex que fuera torpedeado en la primera guerra mundial al regresar del estreno de su ópera Goyescas en Nueva York. Aquí podéis encontrarlas:

Higiene vocal para cantantes y profesionales de la voz. Primera entrega: Factores de riesgo

2011-07-19T19:47:00.001+02:00

Los factores de riesgo que influyen en el funcionamiento del tracto bucal se dividen en seis bloques.

En esta primera entrega mencionaré las acciones que suponen un factor de riesgo tendente a alguna patología del sistema fonador.

1. Bloque del mal uso vocal: Si se realiza un esfuerzo al hablar; si se habla demasiado ¿eres charlatán?; si se grita de repente y con fuerza; si se tose o se carraspea; si se emplea la voz en ambientes ruidosos; si se canta habitualmente (sin técnica y preparación y calentamiento).

2. Bloque del conflicto emocional-afectivo: si se tienen preocupaciones materiales, económicas o profesionales; si se tienen problemas afectivos, de pareja o sociales; si se tiene un caracter temperamental, agresivo o implusivo; si se padece estrés o ansiedad; si se mantienen discusiones y enfados frecuentes.

3. Bloque de factores diversos: Si se percibo rigidez general o una falta de flexibilidad corporal; si no se está suficientemente hidratado; si se siente agotamiento, cansancio físico o fatiga; si no se duerme bien y durante el tiempo suficiente; si se tiende a hablar rápido y sin pausas; si se mantiene una postura inadecuada y una mala relación cuello-espalda.

4. Bloque de cambios en el organismo: Si se tiene una tendencia a padecer resfriados; si hay un exceso de moco; si se fuma; si se padece reflujo gastro-esofágico; si se bebe alcohol; si se padecen problemas de audición.

5. Bloque de cambios en la lubrificación de las cuerdas vocales: Ambientes secos; sequedad de garganta y nariz; variaciones bruscas de temperatura; contacto habitual con polvo, tiza y disolventes; aire acondicionado; caramelos de menta que cambian la densidad de la saliva.

6. Bloque de factores constitucionales: las mujeres tienen mayor riesgo que los hombres; antencendentes de problemas vocales en la familia (defectos imitados); voz peculiar desde la infancia; tendencia a padecer disfonias; muda de la voz (en niños).

En la próxima entrada hablaré de las medidas necesarias para corregir o atenuar los factores de riesgo que se padezcan.

¿A que se va a un curso de verano de canto?

2011-07-03T21:25:00.001+02:00

Cuando llega el verano se barajan opciones de cursos en los que ampliar la formación, especializarse en alguna materia, conocer a otros profesionales, recibir consejos etc... Considero importante tanto para el alumno como para su profesor habitual que el alumno se exponga a la opinión de otros docentes y que se relacione con otros cantantes para tener un contacto con la realidad.

Tras mi experiencia en los cursos de verano me he dado cuenta de que el tipo de curso configura el ambiente que se genera, el tipo de trabajo que se desarrolla y el tipo de cursillista que participa.

Existen diferentes formatos de curso:

Los cursos en los que se trabaja de manera continuada con un profesor y se ofrece una muestra del trabajo en un concierto final dan la oportunidad de trabajar pro fundamente varias obras y permiten obtener una opinión realista del lugar donde se está y los pasos que se deben dar en el futuro. Se suele generar un buen ambiente en torno al trabajo y unos vínculos entre los cursillistas positivos. Pueden verse alumnos de diversos niveles.

Las masterclass con profesionales de reconocido prestigio en las que se tiene una o dos oportunidades de ser escuchado. Deben enfocarse a preguntar cosas concretas y obtener una opinión a cerca de las líneas de trabajo a seguir, el repertorio, el tipo de voz, etc. No suele haber tiempo para profundizar en detalles. Suele haber un buen ambiente porque previamente se hace una selección y los participantes son conscientes de la oportunidad que se les presenta.

Los cursos que finalizan en un concurso en el cual uno o varios cursillistas obtienen una bolsa de estudios, un concierto, etc. atraen a alumnos que van a lucir lo que ya saben, a conocer a las personas que les pueden abrir las puertas al mundo profesional o a relacionarse. Mi experiencia es que se genera un ambiente poco propicio para el aprendizaje y muy propicio para la competición. Generalmente atraen a cantantes con una formación avanzada.

Los cursos en los que se trabaja la escena, requieren que los cursillistas lleven aprendido un repertorio pactado previamente para poder trabajar la interpretación. El trabajo en equipo requerido fomenta los vínculos entre los cursillistas y la cooperación. El objetivo principal es trabajar la interpretación y el movimiento escénico por lo que se generan situaciones divertidas que generan complicidad.

Mi opinión es que el cantante debe preguntarse cual es el objetivo de su participación y tras tenerlo claro no buscar únicamente al docente sino también el tipo de curso que imparte.

¿Por qué la música moderna no está en los consevatorios españoles?

2011-06-27T23:04:00.001+02:00

Refelxionando a cerca del por qué la música moderna no se puede aprender en un conservatorio público de manera oficial y reconocida tal y como sucede con las disciplinas relacionadas con la música clásica se me ocurren varias respuestas.

Es posible que tan solo tenga una visión parcial del tema (debido a que he recibido fundamentalmente formación clásica) pero me vienen a la mente varias preguntas.

¿Qué pasaría con el mundo de la clásica si la música moderna se oficializara?

¿A qué tipo de música optarían los estudiantes tras tener unas nociones básica (Enseñanzas Elementales de Música)? Dicho de otra manera, si a un adolescente le dan a elegir entre la guitarra clásica y la moderna ¿por cual se decantará?

Si la música moderna, que es la que se sustenta por si sola, es capaz de mover a grandes masas de gente (y por lo tanto de dinero) ¿Por qué no se oferta si esa formación redundaría en una mayor competencia de nuestros músicos?

Creo que en el fondo no interesa y no entiendo por qué.

Creo que la música clásica tiene un valor intrínseco grande capaz de atraer por si sola a los estudiantes. Creo que muchas personas interesadas en la música moderna se acercarían a las instituciones para recibir una formación adecuada a sus intereses.

Creo que las empresas que mueven la música moderna no están demasiado interesadas en que "sus productos" sepan demasiado o tengan un buen criterio formado porque exigirian mejores condiciones consicentes de su esfuerzo, su valía y su formación (giras menos intensas, más descanso, etc).

Mi pensamiento es que debe proporcionarse una oferta variada y consistente desde las instituciones educativas que no deje exclusivamente en manos del sector privado la formación de los músicos de música moderna.

Mi pensamiento apunta a una necesaria apertura y a un pensamiento de que "hay sitio para todos" y pensar que existe muy buena música y muy buenos músicos (y muy malos tambien) en todos los estilos y disciplinas.

Si pensamos en los músicos como una gran familia unida nos irá mucho mejor a todos. Viva la buena música y las fusiones que siempre enriquecen.

Lecturas recomendadas para el verano

2011-06-24T00:31:00.000+02:00

He estado pensado que el verano es largo y se presta a coger un libro y ampliar nuestras miras y nuestros conocimientos.

Os voy a recomedar algunos libros relacionados con la música y el canto que son muy amenos de leer y nos ayudan a comprender este mundo.

Dos novelas sobre las que se han basado las óperas:

- La dama de las camelias. Dumas. Verdi adaptó la obra para su Traviata.

- Manon. Abate Prevòst. Massenet y Puccini hicieron su versión de esta trágica história de amor.

Dos biografías y unas memorias:

- Cartas de W.A.Mozart. Ed Atajos. La correspondencia de genial compositor sin interpretaciones para que cada cual saque sus propias conclusiones.

- Giusepe Verdi. La intensa vida de de un genio. De Ángeles Caso. Ed. Temas de hoy. Narra la vida de Verdi de una manera amena.

- Victoria de los Ángeles. Memorias de viva voz. Jaume Comellas. Edicions 62. Muy entrañable que son convesaciones con Victoria de los Ángeles.

Tres sobre psicología y pedagogía con recursos prácticos.

- Amo hacer música. Gloria Ruiz Ramos. Mandala ediciones. Propone estrategias físicas y psicológicas para afrontar el mundo de la música desde la salud y la coherencia.

- Psicología de la música y educación musical. Josefa Lacarcel Moreno. Antonio Machado Libros. Un libro muy completo sobre psicología de la música.

- The inner game of music. Barry Green. Doubleday. Muy interesante enfoque de aprendizaje de estrategias que nos facilitan el estudio y la actuación.

Cuando "No hay dinero" es la excusa fácil

2011-06-15T09:48:00.004+02:00

Estos últimos días reflexionaba a cerca de las creencias que se sostienen en tiempos de crisis y que en lugar de sacarnos de ella nos mantienen en sus garras.

Es cierto que los recursos son limitados, siempre lo son, pero muchas veces la limitación de recursos se convierte en una excusa perfecta para los que no quieren hacer algo o que simplemente no quieren gastarse esos recursos en cosas que no tienen un beneficio inmediato.

Este es el caso de la cultura. ¿Cómo se puede cuantificar el beneficio de invertir en cultura?. Sinceramente creo que si no se tiene una visión a largo plazo y las acciones no se sostienen en el tiempo es muy difícil observar la rentabilidad de las acciones culturales. Pero la pregunta aquí es ¿qué clase de país queremos? ¿De qué manera la cultura enriquece a las personas y las convierte en un elemento de riqueza de un país?

Las preguntas que nos deberíamos formular son: ¿En qué aspectos queremos formar a los ciudadanos? Las personas se interesan por lo que conocen y para que conozcan la música, el teatro, el cine, la danza, etc. considero necesario formar a la audiencia con productos culturales de calidad que les aporten experiencias enriquecedoras, que les cambien por dentro y les hagan ver otras realidades.

La cultura genera riqueza intelectual y material. Si hablamos en términos de riqueza económica la cultura genera el 4% del PIB en España. En cambio, socialmente está poco valorada. La frase "por amor al arte" hace mucho daño al sector porque un músico, un actor, un escritor... invierten mucho tiempo y energía en su formación como para que después el sector les pida que hagan su trabajo gratis. A nadie se le ocurre pensar que un abogado o un médico vaya a trabajar "por amor al arte".

La realidad es que el mundo de la música mueve a muchos profesionales: músicos, escuelas de música, conservatorios, profesores de música, estudios de grabación, salas de conciertos, agentes musicales, programadores culturales, instituciones oficiales, coros, orquestas, vendedores de instrumentos, editoriales, librerías, luthiers, etc. Muchos de ellos aun están luchando por un reconocimiento social y educativo. Tal es el caso de los luthiers o los afinadores de pianos, actualmente no hay ningún tipo de estudios reglados en España y de los programadores culturales que acceden a esa profesión a través de una especialización.

Obviamente hay hambre en el mundo y gente enferma pero eso no ese no es un argumento válido para dejar de invertir en cultura. La cultura enriquece al ser humano, lo hace mejor y más sensible a la realidad y a las necesidades de otros. Permite el desarrollo de actividades que fomentan la cooperación y la solidaridad y a su vez enriquece a la sociedad. Un país que invierte en cultura invierte en su futuro.

Por lo tanto es una gran excusa, así como una rémora para la economía de un país aceptar las creencias que sostienen que para la cultura no hay dinero. Lo que falta es imaginación, cooperación entre profesionales, nuevas fórmulas de gestión. Lo que falta son ganas de tener una sociedad rica y culta. Personas que piensen por si mismas y aporten lo mejor de si mismas a los demás.

Como ser feliz si eres músico o tienes uno cerca.

2011-06-02T12:43:00.000+02:00

Hoy voy a recomendar un libro de Guillermo Dalia "Como se feliz si eres músico o tienes uno cerca" de la editorial MundiMusica.

Conocí a Guillermo cuando emprendió su investigación sobre el miedo escénico en el ámbito musical. Formé parte del pirmer grupo piloto de músicos de la investigación práctica. Su manera de abordar el tema fue de gran ayuda y aún hoy aplico cosas que aprendí en esas sesiones.

Recientemente ha caido en mis manos el libro que recomiendo a todos los músicos o a las personas que se relacionan con ellos porque está lleno de grandes verdades y de información constructiva y poderosa.

Habla de cómo el contexto va configurando la personalidad del músico, cómo se relaciona con el mundo y por qué se producen determinados comportamientos tóxicos.

Destaca cinco características que configuran la personalidad de un músico y que pueden condicionar su felicidad: el individualismo (el que va solo se queda solo y el ser humano necesita de la interacción con los demás), la competitvidad (una mentalidad de escasez en la que prima el "no hay para todos" es la fuente de relaciones enrarecidas), el pensamiento dicotómico (las cosas o estan bien o mal, no hay gradación), la crítica y la autocrítica (nunca se es suficientemente bueno y por tanto es una constante fuente de insatisfacción) y el divismo (soy especial y por tanto mejor que otros).

Habla también de las relaciones alumno-profesor y de las dependencias psicológicas que se establecen, de las relaciones entre compañeros, de las relaciones de pareja entre músicos, las familias que conviven con músicos, la relación que se establece con el instrumento, etc

Y por supuesto después del análisis ofrece unas sugerencias para no caer en esas actitudes que son fuente de infelicidad e insatisfacción.

Las primeras tienen que ver con la relación con el entorno, como por ejemplo: hacer y aceptar cumplidos sinceros, hacer peticiones, pedir ayuda y colaborar con otros músicos, defender los propios derechos, disculparse o admitir la ignorancia, afrontar las críticas, etc...

Las segundas tienen que ver con la relación con uno mismo: como el control emocional, el análisis de pensamientos irracionales, el autoconocimiento, la autoaceptación, etc...

Os dejo el enlace de la página de Guillermo: http://www.guillermodalia.com/

Entrevista en el programa Mundo de Ideas. La corchea viajera

2011-05-26T08:04:00.001+02:00

Esta es la razón de que en las últimas semanas no haya publicado entradas. La experiencia del proyecto de iniciación a la lírica esta siendo maravillosa.

La corchea viajera /La corxera viatgera

2011-05-06T15:32:00.002+02:00

A una semana del estreno del espectáculo "LA CORXERA VIATGERA", un espectáculo de iniciación a la lírica para público de educación primaria y para público familiar, quiero agradecer a todas las personas que han colaborado y siguen colaborando con este proyecto su ilusión y su valiosísimo apoyo. Sin ellos no hubiera sido posible.

Los hilos de la creatividad se han ido tejiendo hasta hacer de un cuento que escribí hace algunos años, un proyecto que combina dos de mis grandes pasiones: el canto y la pedagogía. Ahora mismo no se si yo elegí el proyecto o el proyecto me eligió a mi. El resultado es fruto de mucha pasión, ilusión, trabajo, algún quebradero de cabeza pero sobre todo de mucho amor por aquello que hago.

Os invito a visitar el blog con la información del espectáculo, mi página web en la sección de proyectos donde se va actualizando la información y la página de facebook donde estaremos encantados de compartir impresiones.

Facebook de La corchea viajera/ La corxera viatgera
www.lacorcheaviajera.blogspot.com
www.isabelvillagar.com

Abriendo la caja de pandora

2011-04-27T09:08:00.000+02:00

Hay un momento en el aprendizaje musical que se produce una apertura a un lugar desconocido, un lugar lleno de emociones que da una sensación de vértigo inmensa.

A mi me hubiera gustado que alguien me lo hubiera explicado de una manera sencilla porque la primera vez que me sucedió quise salir corriendo, cerrar ese espacio y no querer saber que existía porque da miedo, asusta ver que hay un mundo desconocido de emociones pero lo que más asusta es perder el control.

Yo llamé a ese espacio la caja de pandora, al principio se abría de forma fortuita, ahora se que puedo abrirla y dejar salir aquellas emociones que quiero expresar. Es un control descontrolado, es un dejarse llevar sabiendo que no pasará nada y que hay que transitar ese espacio para poder transmitir lo que uno lleva dentro.

La caja de pandora no se controla, la caja de pandora se aprende a gestionar a través del autoconocimiento y del respeto hacia uno mismo, es un camino que se transita en solitario, aunque se comparta con otros hay que aprender a caminar solo por él y al final uno aprende a confiar en ella y sabe que cuando la necesite estará allí.

Y para cantar es necesario contar con una caja de pandora lo más llena de experiencias y emociones posible porque estas son las que aportan riqueza y madurez a la interpretación.

El artista emprendedor

2011-04-21T21:32:00.000+02:00

En la línea de los últimos posts enfocados a despertar un cambio de mentalidad y avivar el espíritu emprendedor entre los artistas escribo estas líneas.

El arte es una necesidad para el artista, el cantante es cantante porque sino su vida sería una desgracia (hablo por experiencia) y decide enfocarse en su talento trabajando duro porque sabe que ahí está la llave de su felicidad. El arte persigue al artista hasta que se da cuenta de que no le va a dejar en paz.

Una vez uno despierta a esta llamada debe, desde la responsabilidad que tiene con el talento que le ha sido dado, decidir qué hacer con él, cómo ofrecerlo a la sociedad para que se beneficie de él. Y si, la sociedad se beneficia de los espíritus creativos en cualquiera de sus facetas. El artista muestra nuevas realidades y lleva más allá a las personas y eso es una gran responsabilidad que requiere de un gran esfuerzo, una gran apertura y una gran generosidad.

¿Para qué sirve lo que hago? En el momento en que un artista da con la respuesta a esta pregunta encuentra el modo de llevarlo a la realidad.

En mi caso, cuando canto, se que lo que hago sirve para hacer mejores a las personas a través de la música, emocionando, deleitandose con la belleza del sonido, divirtiéndose, riéndose... y eso es algo importante para mi y por eso pongo todo mi esfuerzo y mi pasión.

¿Cómo lo hago? Pues de muchas maneras, de hecho cuantas más maneras encuentre de poder manifestarlo mejor. En encontrar esas maneras entra en juego el espíritu emprendedor y la creatividad.

Este espíritu emprendedor y creativo está en muchos de nosotros pero no se estimula la mentalidad emprendedora y mucho menos en el ámbito de la música clásica que ni se potencia ni se enseña.

Recomiendo al que sienta la llamada emprendedora en su interior que busque los foros adecuados porque no es que uno sea raro, lo que sucede es que no está en el entorno adecuado.

Gracias a todos. Ya somos 1000

2011-04-18T00:23:00.001+02:00

Queridos visitantes del blog:

Cuando empecé esta aventura no esperaba que en tan pocos tiempo recibiera 1000 visitas. Este simple hecho me anima a seguir trabajando con ilusión en este proyecto personal, aportando contenidos de interés.

Haciendo balance y un poco de autocrítica constructiva, me he preguntado ¿por qué mis visitantes no se animan a participar publicando sus comentarios? Me gustaría saber las razones porque creo que nadie tiene la verdad absoluta y creo que la interacción, compartir experiencias y reflexiones puede ayudar a otras personas en su camino.

Estoy abierta a sugerencias, preguntas o curiosidades que podais tener. Y si teneis alguna duda sobre algun tema en concreto me gustaría poder ayudaros, no tengo todas las respuestas pero hay muchas fuentes a las que recurrir para poder averiguarlas.

¡¡¡GRACIAS A TODOS!!!

Marketing para cantantes y músicos

2011-04-16T21:27:00.000+02:00

Hay algunas nociones del mundo del marketing y del mundo empresarial que a mi me han dado una nueva visión y he encontrado respuestas a por qué si uno lo intenta las cosas no siempre salen como uno desearía.

Estas son algunas que comparto con vosotros:

1. Se obtiene el 10% de los resultados de las acciones que emprendemos. Eso quiere decir que si queremos conseguir un concierto, un agente, una entrevista con un programador, un patrocinador, etc. deberemos por lo menos contactar con 10. Si queremos 10 tendremos que contactar con 100. Así de crudo, pero nadie dijo que la vida fuera fácil. Por lo tanto, lo más probable es que si uno toca una sola puerta no consiga nada. Vamos que hay que ser un poco pesadito para conseguir algo.

2. El rechazo es bueno y no se le puede gustar a todo el mundo. A nadie le gusta sentise rechazado, porque cuando uno decide embarcarse en un proyecto es porque cree que es bueno y merece la pena. Sugiero darle la vuelta al asunto del rechazo y ver que a veces es mejor que determinadas personas nos rechacen si no comparten nuestras ilusiones o nuestros valores. En vez de sentirse mal porque a uno le rechazan deberíamos alegrarnos de no perder el tiempo con determinadas personas.

3. Todo producto tiene un recorrido, los productos culturales también. Cuando una empresa lanza un producto sabe que tiene una vida, un recorrido y que cuando muere hay que pasar a otra cosa o reinventar el producto ¿No os habeis preguntado por qué hay tantas clases de yogures?. Así que cuando pensemos en un proyecto musical, tenemos que ser consicentes de que habrá una fase de creación y lanzamiento, una fase de estabilización y una fase de declive. En cada una habrá que adoptar un enfoque. Lo que sucede en el mundo de la música y en particular de la clásica es que casi no se llega ni a la primera: creación del producto y su lanzamiento. Y luego nos preguntamos por qué tanto esfuerzo (cuando se prepara un concierto o un evento) al final es en vano. Quizás habría que preguntarse si estamos en el mundo real o no en lugar de sentise mal y lamentar la mala suerte.

4. Si no te gusta promocionar y ofrecer lo que haces vas a tener que aprender. Creo que en el conservatorio debería decirse el primer día: "Señores van ustedes a ser artistas y personas creativas. Se trata de una profesión independiente, insegura, inestable, en la que hay que sacarse las castañas del fuego, así que si no les gusta salir al mundo a ofrecer lo que hacen o creen que no van a aportar nada, mejor que se dediquen a otra cosa". Es importante estar en el mundo de una manera activa y creativa y si, los artistas tienen que exponerse: a lo bueno y a lo malo. Siento decirtelo si no te lo habían dicho.

5. Toca reinventarse. Está comprobado que las fórmulas de siempre no dan los resultados que queremos, así que en lugar de lamentase sería más constructivo ver de qué manera podemos ofrecer lo que sabemos hacer de una manera atractiva, enriquecedora y significativa para los demás. Y seguro que os preguntais ¿Pero como? ¿Pero no hemos dicho que somos artistas? Habra que usar la imaginación y ejercer de lo que somos ¿no? Si no tienes público preguntate por qué en lugar de decir que la humanidad es inculta e ignorante. A lo mejor tenemos que cambiar el enfoque. Es solo una sugerencia.

6. Marca personal. Es algo que está muy de moda. El lema es "Si eres uno más serás uno menos". Todos somos prescindibles así que sería interesante ver qué nos diferencia de los demás y potenciarlo. Es una manera de ser y estar personal. En mi opinión se trata de ser coherente y sincero con uno mismo y con sus aspiraciones y llegar a convertirse cada día en la mejor versión de uno mismo. Ni más ni menos.

Ser un buen músico no es suficiente.

2011-04-12T07:50:00.000+02:00

En cualquier profesión lo esencial es ser un buen profesional, uno tiene que tener una competencia real en aquello que hace como estrategia de vida y por ello el buen profesional nunca deja de aprender, de explorar nuevos caminos y de perfeccionarse internamente para poder ofrecer externamente un talento depurado.

También pienso que lo primero son las personas, uno enseña lo que es así que hay que esforzarse cada mañana para ser la mejor versión de uno mismo y más si la meta de su trabajo es exponerse ante un público. ¡¡En un escenario se ve todo!!

Pero siempre me he preguntado, entre dos profesionales buenos ¿Por qué a uno le va mejor que al otro?

Estas son algunas de mis conclusiones y respuestas a la pregunta:

- No es lo que haces sino aquello que haces con lo que haces. Como artistas tenemos una gran responsabilidad primero frente a nuestro talento y segundo respecto a la manera en que lo ofrecemos. De nada le sirve al mundo nuestro talento si no se lo enseñamos, si no se lo ofrecemos, si no lo compartimos. ¿Por qué privar a las personas de algo bueno y valioso a nivel humano que podemos ofrecer? Hoy en día disponemos de muchos medios para poder ofrecer nuestro talento, creo que cada cual debería preguntarse ¿Qué me frena a mostrar mi talento? cuando uno se responde con sinceridad esa pregunta encuentra las respuestas que le sacan del bloqueo.

- Si tu no crees en ti, nadie lo hará. Es necesario realizar un trabajo personal sobre aquello que se quiere, las preferencias, los gustos, aquello que nos hace vibrar y tras ese trabajo hacer una apuesta personal fuerte y no rendirse. El compromiso con uno mismo es fundamental, es más, uno va encontrando nuevas formas de comprometerse cada día más cuanto más se compromete con su talento.

- Hay oportunidades para todos. Muchos músicos viven instalados en una mentalidad de escasez y competencia y creo que es eso lo que impide su desarrollo real. Yo misma soy soprano, la voz más común entre las mujeres, si pensara que porque hay muchas yo no voy a hacer nada no estaría donde estoy. Es una cuestión de enfoque y de mentalidad, creo que hay para todos, de una manera o de otra.

- 20% aptitud y 80% actitud: El que no se mueve porque dice que todo se mueve por contactos se está excusando. Claro que todo se mueve por contactos y referencias, creo que hay que decirlo alto y claro. ¿Quien dijo lo contrario? Personalmente me gusta trabajar con la gente que no solo es buena sino que me aporta cosas positivas y me cae bien. Todos tendemos a contar con las personas en las que podemos confiar no solo porque son buenos profesionales sino porque sabemos que se comprometen con lo que hacen y solucionarán problemas. Así que sería más constructivo pensar en cultivar una buena red de contactos y ofrecer aquello que se hace sin complejos y cada vez con mayor valor.

- Nuevas tecnologías: Subirse al tren tecnológico no es una opción es una necesidad. Vienen cambios y de los gordos. A mi se me ponen los pelos de punta cuando veo a los niños de 1 año ponerse el móvil en la oreja sin que suene ni hable nadie. Vienen con el chip puesto y eso va a revolucionar la vida futura, nos guste o no.

- Reciclarse o morir: los cantantes y los músicos deben ser conscientes de que deben aprender a aprender. Lo que no se sabe tenemos que saber aprenderlo, buscarlo, investigarlo, preguntarlo, leerlo. Estos recursos son esenciales para la vida y hay que ser conscientes de que si no se avanza se retrocede. Recomiendo, de vez en cuando, hacer actividades que no tengan nada que ver con la música, asistir a alguna conferencia sobre temas que nos son ajenos, conocer a personas de otros sectores, nos aportarán otras visiones que enriquecerán la propia.

El trabajo multidisciplinar del siglo XXI

2011-04-07T14:05:00.001+02:00

Bienvenidos al siglo XXI y a las tendencias que, desde mi punto de vista, no serán una opción sino una obligación en la era de la información.

Mi concepción de lo que tiene que ser el trabajo de formación de un cantante coincide con las últimas tendencias de trabajo colaborativo y la necesidad de contar con diferentes profesionales del sector cultural, educativo y sanitario.

El profesor de técnica vocal trabaja técnica vocal e interpretación pero el mundo musical es tan amplio y complejo que debe contar con especialistas para enriquecer la labor pedagógica y acelerar el crecimiento musical y profesional del alumno.

Esta es una de las razones importantes que deben motivar la realización de acciones conjuntas y muy coordinadas en espacios y tiempos concretos. En España la "Asociación Española de Profesores de Canto" está emprendiendo iniciativas que favorezcan este tipo de trabajo y anima a los diferentes profesionales que puedan estar relacionados con la temática a que se unan para formar equipos multidisciplinares.

Se considera que el trabajo conjunto con especialistas permite abordar con mayor rigor y profundidad:

1. Cuestiones de repertorio y estilo: (música moderna, oratorio, ópera, canción, músicas del mundo, folclore, etc)

2. Cuestiones académicas y relaciones con las administraciones educativas (técnica vocal, programación y secuenciación del aprendizaje, métodos de estudio, sistemas de evaluación, etc),

3. Prevención e higiene (higiene vocal, técnicas de relajación, control del miedo escénico, hábitos de estudio)

4. Colaboración con profesionales del sector sanitario (equipos multidisciplinares de investigación formados por profesores de técnica vocal, logopedas, otorrinos, etc).

5. Colaboración con el medio audio-visual e informática (sistemas de grabación, empresas discográficas, edición de música, Internet, redes sociales, aplicaciones informáticas, etc).

6. Colaboración con entidades de gestión cultural y expertos en marketing artístico (acciones a emprender en el mundo profesional).

7. Editoriales musicales, revistas y otros medios de comunicación especializados (elaboración de documentación, etc)

8. Abogados y asesoramiento jurídico profesional (asesoramiento fiscal, laboral, administrativo etc)

Criterios para seleccionar canciones

2011-03-19T12:48:00.001+01:00

Creo que el principio básico para selección de las canciones es el respeto hacia el nivel y las características vocales de la voz.

En ocasiones la ilusión por cantar algo hace forzar la voz y no le permite un desarrollo natural. Hay que moverse en la zona de desarrollo próximo para alcanzar la zona de desarrollo potencial, en términos educativos quiere decir que hay que partir del nivel inicial e ir incrementando la dificultad progresivamente para alcanzar el desarrollo máximo. En el canto, como en cualquier disciplina no se pueden subir los escalones de tres en tres, se debe asentar el conocimiento en la mente y en la musculatura.

Estos son algunos aspectos a tener en cuenta a la hora de seleccionar las canciones.

- Idioma: se debe partir siempre de la lengua materna para entender los principios de la articulación. Cuando esto se comprenda será fácil extrapolarlo a otros idiomas.

- Tesitura: se debe cantar siempre en la zona cómoda y progresivamente se irá ampliando la tesitura sobre la que poder cantar. Es muy importante construir la voz a partir del centro de la voz.

- Respiraciones: las canciones deben permitir integrar la respiración de una manera orgánica, por lo tanto al pricipio se debe disponer de suficiente tiempo para asimilar el gesto respiratorio. Una vez esté automatizado será fácil aprender las respiraciones rápidas y robadas.

- Estilo: acorde al desarrollo de la voz se irá afrontando repertorio adecuado a la voz y siempre trabajar de una manera lógica y coherente.

Taller de técnica vocal para profesores de música y directores de coro.

2011-03-11T22:01:00.000+01:00

Los días 2 y 3 de abril impartiré un TALLER DE TÉCNICA VOCAL PARA PROFESORES DE MÚSICA (primaria, secundaria y escuela de música) y DIRECTORES DE CORO en la escuela de música ESMUVI de Vinaroz

El objetivo principal del taller es dotar a los profesores de recursos técnicos, higiene vocal, criterios de selección de repertorio, metodología de trabajo, etc.

Podeis inscribiros on-line hasta el 28 de marzo, en este enlace:
https://spreadsheets.google.com/viewform?hl=ca&pli=1&formkey=dEN6SVluWktOdXBnckwweXFHc0owdFE6MQ#gid=0

Si quereis más información podeis visitar el enlace:
http://www.esmuvi.com/?id_art=48&sec=esc&subsec=cur

El ritual de actuación.

2011-03-02T15:50:00.000+01:00

A actuar se aprende y es importante pensar que el momento de preparación musical se diferencia del momento de la acuación.

Cada vez que uno se sube a un escenario o se expone a un público (también delante de familiares, colegas, etc) se actúa y por ello se ha de trabajar la actividad "actuación" con recursos diferentes con los que se trabaja la actividad "estudio o interpretación".

Se suele decir que para dar el 100% la obra tiene que estar al 150%, pero ¿qué quiere decir exactamente? Personalmente entiendo que uno debe tener interiorizada la obra totalmente, conocerla casi como si la hubiera compuesto uno, saber qué quiere transmitir, dominarla técnicamente pero lo que hace que esté al 150% es que uno sea capaz de gestionar con solvencia la actuación.

Lamentablemente solo se puede ayudar a mejorar la actividad de la actuación pasando por ella. Habrá personas que tengan lapsus de memoria, que se pongan nerviosas sintiendo palpitaciones, que se desconcentren con el ruido de la sala, que les impresione tener público delante, que se autoboicoteen mentalmente pensando que se equivocarán donde siempre fallan, etc...

Para cada persona se debe plantear un trabajo enfocado a reforzar las fortalezas y a fortalecer las debilidades: mejorar el discurso, aprender a relajarse, visualizar la situación, emplear todos los tipos de memoria, etc.

Yo recomiendo, por un lado, el análisis de lo que sucede en el momento de actuar para poder pautar un trabajo y por otro lado establecer un ritual de actuación.

Un ritual es algo que se sigue siempre y que mejora la concentración y el autocontrol para facilitar la gestión del la actuación , pongo varios ejemplos:

- Hacer las cosas más despacio, llegar con suficiente tiempo al lugar, hablar poco, mantenerse concentrado en la propia música, evitar convesaciones que generen inseguridad.

- Comer ligero, mentenerse hidratado, estar tranquilo y concentrado.

- Practicar la visualización del momento de la actuación, el cerebro no distingue entre lo que se visualiza y la realidad.

- No perder el contacto con el espacio, caminar despacio por el escenario, tomarse el tiempo que se necesite antes de empezar.

- Emocionalmente sentir que uno está rodeado por una bola de goer-tex (es el tejido que permite la transpiración pero que evita que se filtre el agua dentro) pero en este caso de amor, es decir, desde nosotros hacia el público se pueden transmitir todas las emociones pero del público hacia nosotros solo puede entrar amor. Esto nos ayudará a evitar las críticas y los juicios mientras actuamos y nos permitirá centrarnos en lo que queremos transmitir.

Poco a poco cada cual diseñará su propio ritual y actuar se convertirá en una actividad que se afronte con emoción y alegría de compartir. Cada actuación aporta algo difente y este hecho hace mágica la actividad del intérprete.

La alimentación del cantante

2011-02-24T10:48:00.002+01:00

En primer lugar he de decir que a la voz le hace mal lo que le hace mal al cuerpo. Tras esta premisa es sencillo decicir si algo será bueno para la voz. Es importante es hacer una dieta equilibrada y mantener unos hábitos saludables (horas de sueño, deporte, etc).

Dicho esto se deben tener en cuenta varios aspectos importantes:

Por un lado para mantener la concentración se deben evitar las sustancias que disminuyen los reflejos o la percepción de la realidad. En este grupo tenemos las bebidas alcohólicas, calmantes, etc.

Por otro lado se deben evitar los alimentos que producen reflujo gástrico (cuando algún alimento se repite) ya que lo que sucede es que los ácidos del estómago dañan la mucosa de las cuerdas vocales y eso proporciona sensación de ronquera. Esto varía según las personas y cada cual debe ver qué le repite y evitarlo. Se deben evitar las digestiones pesadas si se tiene que cantar después de comer porque la presión de la musculatura del abdomen tiende a producir reflujo. Eso si, cantar con el estómago vacío tampoco es bueno, así que es recomendable una comida ligera.

Es importante evitar la deshidratación, por lo que un cantante debe beber al menos dos litros de agua al día. Las infusiones de tomillo, salvia, erisimo y regaliz son buenas. La miel y el propoleo favorece el fortalecimiento del sistema inmunológico.

Asociaciones de profesores de canto

2011-02-20T17:36:00.001+01:00

La enseñanza del canto es una tarea que cuenta con una serie de profesionales asociados a varias instituciones y que luchan por generar conocimiento y avances en materia de la pedagogía del canto.

En las siguientes páginas no solo encontrareis información sobre el profesorado sino también información de divulgación interesante.

La asociación europea de profesores de canto: "European voice teachers association"

http://www.evta-online.org/

La asociación española de profesores de canto

http://www.aepc.com.es/

La asociación catalana de profesores de canto.

http://www.acpcant.com/Static/Sobre.aspx

La asociación inglesa de la voz: "British voice association"

http://www.british-voice-association.com/

La asociación inglesa de cantantes y oradores: "The association of english singers and speakers"

http://www.aofess.org.uk/index.php

La asociación americana de profesores de canto: "National Association of Singing Teachers"

http://www.nats.org/

La fundación americana de voz: "The voice fundation"

http://www.voicefoundation.org/

Paradojas del canto. Primera parte

2011-02-19T12:28:00.000+01:00

A lo largo de mi trayectoria como cantante y pedagoga me he dado cuenta de que hay algunas paradojas que merece la pena comentar.

PARADOJA NÚMERO UNO : "Cuanto más se oye uno por dentro menos voz hay fuera".

Se tiende a pensar que es al revés, que cuanto más se oye uno por dentro más voz saca.

La percepción que se tiene internamente de la voz no se corresponde con el resultado sonoro que se escucha en el exterior y esto es debido a que la persona percibe internamente su voz de manera completamente diferente a como se percibe fuera. Esta es la razón por la que nos sorprendemos cuando escuchamos nuestra voz grabada y preguntamos ¿esa es mi voz?. El cantante debe asumir esta realidad y aprender a relacionar sus percepciones internas con el resultado sonoro. Esta es al razón por la que queremos imitar un resultado externo en nuestro interior y si escuchamos una voz potente pensamos que tenemos que sentirlo así internamente, esto es falso. La realidad es que cuando un cantante tiene toda la voz fuera no se oye casi por dentro.

PARADOJA NÚMERO DOS "Mucho apoyo implica mucho aire".

Se tiende a pensar que apoyar la voz está relacionado con la cantidad de aire que se emplea.

El apoyo hace referencia a la energía que se necesita para impulsar el aire pero esa cantidad de aire es independiente. Me explico, uno puede mandar mucho aire con poca energía (sonará una voz descolcada y áfona), mucho aire con mucha energía (saturará las cuerdas y se producirá un grito), poco aire con poca energía (seguramente no se producirá la fonación) y poco aire con energía (se producirá un sonido libre). En este último punto está la clave de la técnica vocal, uno aprende a equilibrar la cantidad de aire con la energía en función de las notas (agudas,graves) que tiene que cantar. Por ello para cantar fuerte no hace falta mucha fuerza, hace falta un equilibrio de energía.

Tocar y Luchar. El video

2011-02-11T09:33:00.000+01:00

En la última entrada del blog hablé del fenómeno musical de Venezuela. Aquí adjunto el video para que cada cual saque sus conclusiones.

http://video.google.es/videoplay?docid=903133441508820754&hl=es#

¿Música para todos?

2011-02-07T22:23:00.000+01:00

Me pregunto hacia donde van los tiros en la educación musical en España. Me pregunto si siguen vigentes los valores de los grandes pedagogos de la música del siglo pasado (Kodàly, Dalcroze, Willems) que abogaban por una educación musical para todos. Me pregunto si desde las diferentes esferas se está apostando realmente por una educación musical para todos como vehículo del desarrollo humano.

En los últimos tiempos se está hablando de la labor José Antonio Abreu y la influencia de "El sistema" en la educación musical Venezolana. Es un gran ejemplo de los efectos de la música en las personas pero lo que ahora vemos es fruto de la labor de décadas de trabajo y del resultado de no desanimarse, no ceder ante las dificultades, de creer que hay opciones y sobre todo de pensar que la música hace mejores a las personas.

Me pregunto por qué no obtenemos resultados similares en España, si, en teoría, se disponen de medios, un sistema de educacióm que incluye la formación artística y musical, un sistema de educación musical en conservatorios y escuelas de música...

Tras refelxionar, no puedo dejar de pensar que en "Nuestro sistema" falta esa pasión, falta fe en el poder transformador de la música, pasión por la educación, pasión por el valor de la música en si y el efecto que provoca en el desarrollo humano...

La música interesa a las personas de diferentes capas sociales, es una manifestación humana, pero siento que nos equivocamos en el enfoque... necesitamos deshechar las viejas fórmulas, salir de los patrones elitistas, salir de "nuestra manera", salir de los esquemas heredados, y atrevernos a explorar nuevos caminos y sobre todo apostar con pasión por una educación musical para todos....

El efecto pigmalión en el canto.

2011-01-25T23:35:00.000+01:00

Es sobradamente conocido el efecto pigmalión en el ámbito educativo. Para los que no hayan oído hablar de él consiste en conseguir lo que uno se propone previamente a causa de la creencia de que puede conseguirlo.

Como consecuencia de ello, las expectativas y previsiones de los profesores sobre la forma en que de alguna manera se conduce a los alumnos, determinan precisamente las conductas que los profesores esperan." (Rosenthal y Jacobson). Y como resultado se produce el efecto de la profecía autocumplida que es una expectativa que incita a las personas a actuar en formas que hacen que la expectativa se vuelva cierta.

El profesor de canto debe ser muy consicente de las creencias que alberga respecto al alumno pues tienen un gran efecto en el alumno y en el desarrollo del proceso de enseñanza-aprendizaje. Si el profesor cree que el alumno podrá afrontar las dificultades el alumno ablergará esa creencia y se pondrán los medios para conseguirlo. Si por el contrario, el profesor piensa que no será posible acabará otorgandole la responsabilidad al alumno y no al proceso.

La clase de canto debe ofrecer un contexto favorable al crecimiento, a la exploración, a la apertura y a la superación. El clima positivo favorece las creencias positivas con respecto a los logros y por lo tanto alimenta el efecto pigmalión positivo.

¿Qué se aprende escuchando a los demás?

2011-01-07T15:23:00.001+01:00

Cuando uno tiene la oportuidad de escuchar las clases de los demás en un conservatorio, escuela de música, en una masterclass o en un cursillo de verano no ha de menospreciar sus cualidades de oyente para poder aprender porque muchas veces uno es consicente de la solución de sus propios problemas mirándose en los demás.

Mi experiencia me dice que que cuando uno está como parte activa en una clase está pendiente de entender lo que le están diciendo y de hacerlo pero no se escucha... Aquí enlazo con lo que ya publiqué de la necesidad de grabarse para poder ser más objetivo con los resultados. Pero cuando uno escucha a los demás se activan otros resortes, uno afina el oído y la mente y al mismo tiempo crea recuerdo y bagaje musical de aquello que se escucha.

Si tienes oportunidad de asistir a un curso ve con todo aprendido de memoria y emplea todo el tiempo que puedas escuchando a los compañeros, creeme es una gran inversión. Al mismo tiempo es una gran ayuda para saber en qué momento del proceso de aprendizaje estás, en que nivel te encuentras y cuales son los pasos siguientes que se deben tomar. El aprendizaje es un proceso y es algo que hay que grabarse a fuego en la mente y todos, da igual en el momento en el que se esté tienen algo que mejorar.

Resumiendo y respondiendo a la pregunta del post:

- Se afina el oído y se mejora el criterio sonoro.

- Se aprenden maneras de trabajar problemas diferentes y obras concretas.

- Se aprende repertorio nuevo y se crea memoria y bagaje musical.

- Se mejora la conciencia de proceso de aprendizaje y la autoestima porque te pone los pies en la tierra.

¿Es la voz lo más importante?

2011-01-06T10:27:00.001+01:00

Cuando una persona comienza a cantar en un grupo o a estudiar canto hay un momento en el que surge esta pregunta y detrás de esta algunas más como ¿mi voz tiene la calidad suficiente como para que me pueda dedicar a esto? ¿Se me oirá en un teatro y con una orquesta? ¿Podré cantar tal o cual papel?

En mi camino la verdad he visto muchas cosas y mi conclusión es que la voz solo es uno de los factores, es importante porque sus características determinaran el tipo de música, el repertorio más adecuado, etc pero no es el único factor y hay ejemplos de cantantes que hay hecho grandes carreras sin tener una gran voz.

El ejemplo que me viene a la mente es Cecilia Bartoli, sin tener una gran voz, ha sabido jugar sus cartas de una manera excepcional: ha asumido sus virtudes y sus defectos, ha potenciado sus virtudes (agilidad, musicalidad, etc) y se ha embarcado en proyectos que le han permitido desarrollarlos.

Con este ejemplo quiero decir que quizás es igual de importante la capacidad de trabajo, el afrontar las características de la propia voz y el centrarse en aquello que potencia lo que la hace única, el tomar decisiones con respecto al repertorio y no pretender cantarlo todo, la perseverancia y la capacidad de levantarse cada vez que no se obtienen los resultados que se espera, el ser creativo y buscar nuevas maneras de estar en el mundo de la música.

Concluyendo: primero el producto (saber cantar bien), segundo conocer las características positivas de la voz, potenciarlas y ser creativo, tercero creer en uno mismo, luchar y ser perseverante y cuarto no pretender hacerlo todo y gustar a todos.

Mi experiencia con las voces infantiles

2011-01-01T13:48:00.002+01:00

En este post voy a hacer una reflexión basada en mi experiencia personal y en los resultados obtenidos durante varios años de trabajo con la clase de coro de una escuela que imparte las Enseñanzas Elementales de Música (EEM)

Hace tres años se produjo en el sistema educativo musical español un cambio en el planteamiento de la clase de coro. Hasta entonces se impartía durante una hora a la semana en 3º y 4º. A partir del 2007 pasó a impartirse una hora a la semana en los cuatro cursos de las EEM. Este hecho supuso para mi un reto profesional debido a que debía hacer un planteamiento didáctico coherente con las caracterísitcas musicales y madurativas de los alumnos que empezaban y que debía tener una continuidad y una coherencia a lo largo de cuatro años.

Basándome en las premisas establecidas por Kodàly en su método de aprendizaje musical, en los materiales elaborados por la Schola Catorum de Algemesí (Valencia) (básados en los pricipios de dicho método), en las recomendaciones realizadas por varias publicaciones relacionadas con el trabajo de las voces infantiles y en la imitación como base de aprendizaje elaboré una propuesta metodológica que ha dado sus frutos a lo largo de estos años.

He podido comprobar que los alumnos tienen una gran capacidad para aprender a través de la imitación y por ello considero fundamental que se trabajen las voces sin apoyarse en el teclado, es el profesor el ejemplo que deben seguir los niños. Por esta razón el desarrollo de la comptencia vocal del docente debe ser una de las cuestiones a trabajar en la formación del profesorado.

Los niños que comienzan no tienen competencias desarrolladas en la lectura musical por ello el trabajo debe reforzar los contenidos que se imparten en la clase de lenguaje musical pero dese un planteamiento totalmente práctico. Entre los ocho y los doce años, los niños tienen una gran capacidad para aprender canciones de memoria y por ello se debe aprovechar este hecho para aumentar el bagaje musical y la experiencia musical, de manera que poco a poco vayan pudiendo vincular los conceptos musicales a su experiencia musical.

Se ha de ser muy cuidadoso a la hora de trabajar las voces debido a que el patrón musucular que los niños adquieran tendrá un impacto importante en su formación vocal presente y futura. El docente debe permitir el desarrollo natural y por ello empleará un repertorio en el que los alumnos nunca fuercen la voz. Si se va trabajando desde la comodidad (al pricipio es posible que no se canta más allá de una quinta) las voces evolucionán con naturalidad.

En un ensayo o una clase de coro no se puede pretender que los alumnos estén cantando durante una hora por ello se ha de trabajar de una manera dinámica y divertida la relajación, la respiración, la vocalización, la lectura y la entonación y el aprendizaje de las canciones y esto se debe hacer cada día.

Se ha publicado el libro en el que se explica más concretamente esta propuesta metodológica. Se llama "Vivo cantanto: coro en las enseñanzas de música" y lo podéis adquirir en este enlace: Vivo cantando, pincha aquí

La relación profesor-alumno

2010-12-31T16:27:00.002+01:00

Cuando uno asiste a una clase de canto o de instrumento generalmente va solo y comparte con el profesor una hora a la semana, durante un tiempo que varia según las circunstancias.

Obviamente hay dos roles claros: el alumno va a aprender y el profesor tiene la misión de enseñar, pero la relación interpersonal que se establece y el vínculo de afecto y confianza que se genera en la interacción es algo que no siempre es fácil de gestionar. La relación que se establece entre el profesor y el alumno en este contexto es todo menos sencilla pues el profesor tiene la responsabilidad de establecer un clima afectivo favorable que favorezca el aprendizaje pero que al mismo tiempo permita la autonomía progresiva del alumno.

Mi experiencia me dice que es el profesor el que ha de establecer unos márgenes que permitan establecer ese ambiente de confianza, rigor y coherencia.

Por el profesor debe ser consciente de que:

1. Es fundamental establecer una relación basada en la confianza y el respeto y un clima afectivo adecuado para que se produzca un aprendizaje real.

2. No debe perder de vista que el alummno es un "cliente" que quiere "adquirir" concimientos.

3. El alumno cuando aprenda se irá o se le deberá invitar a irse. El alumno debe aprender a ser autónomo y debe tener criterio y el docente debe procurarle los recursos para ello.

4. Generalmente se establece un vínculo fuerte y hay momentos en los que el alumno explica cuestiones personales, el profesor debe ser consciente de que las cuestiones personales son totalmente privadas y no deben salir de ese espacio ni emplearse para hacer juicios de valor. El profesor debe ayudar en lo que pueda al alumno pero sobre todo apoyándole en los aspectos profesionales.

Por eso un alumno debe desconfiar de un profesor que:

1. No facilita su apertura al exterior y su autonomía, sino que alarga excesivamente el momento de exponerse ante un público, no permite que el alumno acuda a escuchar o a conocer a otros profesionales, etc.

2. Que habla excesivamente de cosas que no incumben al alumno o habla de otros alumnos sin venir al caso en lugar de centrarse en el trabajo que debe .

3. Solo tiene un alumno brillante o que mejore, si el profesor es bueno, se deben apreciar los progresos en todos los colegas.

4. Establezca un vínculo dependiente.

Espero que os haya ayudado esta entrada. Feliz Año Nuevo!!!!

La memoria musical

2010-12-25T11:34:00.000+01:00

La música es una actividad que moviliza aspectos intelectuales, fisicos y emocionales y es más sencillo memorizar una obra si se tienen en cuenta estos aspectos porque se pueden emplear un gran número de recursos.

Los tipos de memoria se clasifican en:

- Memoria muscular: es la memoria que se trabaja mediante la repetición de un gesto muscular, el cuerpo aprende lo que le enseñamos, por eso es importante que el patrón muscular que se trabaje sea adecuado y vaya siempre en coherencia con la anatomía. Un cantante debe ser muy cuidadoso cuando aprende una partitura porque el cuerpo grabará aquello que se le enseñe como bueno. De ahí mi recomendación de no empezar a cantar a voz hasta que la obra esté en la cabeza.

- Memoria visual: sirve para memorizar las partes de la obra, muchas veces es de gran ayuda colorear subrayar las partes, utilizar colores y rotuladores fosforescentes. Llega un momento en el que recordando el lugar de las partes se estimula la memoria.

- Memoria auditiva: importantísima, aquí entra no solo la memorización de la melodía sino también aspectos armónicos, los acompañamientos, las entradas, las letras, los colores vocales, etc. Aquí entraría la memoria solfísitica, es decir recordar las notas que se están cantando.

- Memoria textual: los cantantes están siempre sujetos a un texto, estoy ayuda a descifrar la música pero también hace que para una mayor expresión el texto esté plenamente interiorizado. El texto es la guía de un cantante. Para memorizar un texto hay que entrar plenamente en su significado y su intención.

- Memoria emocional: cuando un cantante trabaja sobre el recorrido emocional del personaje y saber en que momentos expresa qué sentimientos se produce un vínculo con la memoria.

- Memoria cinestésica: es la memoria del movimiento y cuando se tiene que interaccionar con otros cantantes en un escenario es bueno recordar las entradas, salidas y el recorrido que se realiza.

Todos los tipos de memoria se complementan y se superponen la mayoría de las veces. Cada cantante tiene unas características y por ello le será más sencillo apoyarse en un tipo de memoria que en otra pero es importante conocerlas y saber que si se refuerzan todas ellas el aprendizaje es más completo.

El trabajo en equipo

2010-12-20T23:18:00.000+01:00

Los músicos tienden a desarrollar una cierta tendencia al trabajo en solitario y al aislamiento casi de manera inconsciente. Es cierto que cantar o tocar un instrumento requiere horas de dedicación y de reflexión personal pero también es cierto que cuando ese trabajo se comparte de una manera generosa suceden cosas maravillosas.

Un artista necesita llenarse para después vaciarse... y en ese vaciarse está el compartir impresiones, compartir criterios, experiencias y emociones, este compartirse es lo que hace que realmente se creen momentos maravillosos.

La autoexigencia y el ego puede causar grandes interferencias en la comunicación que se ha de establecer entre los artistas para crear... muchas veces no se comparten impresiones o criterios por miedo a ser judgados, a no ser valorados... pero cuando se rompe esa barrera, uno es consciente de lo que sabe y también de lo que no sabe, comparte impresiones y se produce una apertura y un enriquecimiento del trabajo sorprendente, en este momento uno mas uno es mucho más que dos.

Se ha de enseñar a los músicos a trabajar en equipo. Generalmente, somos personas con mucho caracter, opiniones muy fuertes y muchas veces es dificil sacarnos de ese lugar. También es cierto que somos personas muy sensibles y respetuosas con nuestro trabajo, que hacemos a conciencia. Por esta razón la comunicación debe darse desde el más absoluto respeto y desde ese lugar el enriquecimiento es enorme.

Es importante de que antes de una sesión de trabajo en equipo (con un pianista, director de orquesta, director de coro, etc) el cantante lleve la obra perfectamente aprendida para que ese trabajo sea realmente efectivo, para que se puede ir más allá de las notas y de contar...

Para que el trabajo en equipo sea realmente enriquecedor es necesario que se cumplan una serie de condiciones a la hora de comunicarse:

1 - Es importante establecer una escucha consciente, en la que las opiniones sean expuestas con claridad, sin descalificar y ofreciendo la idea final o la manera de llegar a ella.

2 - Es necesario que todo aquello que implique una crítica se haga en un tono neutro sin ironizar ni descalificar el trabajo previo que la otra persona ha hecho.

3 - Es conveniente que se reconzcan las cosas que si que se hacen bien.

4 - Es importante pensar antes de hacer una corrección si la otra persona tiene la capacidad de hacerla, si es una cuestión de estudio, si la va a poder corregir inmediatamente... hay que permitir a la otra persona que busque las soluciones a las dificultades.

5 - Es importante llegar a conclusiones que permitan mejorar el trabajo.

6 - Tras una sesión de estudio es importante fijar aquellas indicaciones que se han realizado para asimilarlas y fijarlas en la interpretación, puede tratarse de elementos de estilo, de dicción, de fraseos, de dinámicas...

¿Grabarse o no grabarse? That´s the question

2010-12-11T10:26:00.000+01:00

En lo que respecta al aprendizaje musical hay varias opiniones sobre si un alumno debe grabarse o no.

Yo soy partidaria de grabar las clases y los ensayos por varias razones pero se han de tener en cuenta varias cosas a la hora de escuchar el resultado sonoro.

Una grabación nunca es un reflejo exacto de la voz debido a que los micrófonos no captan todos los armónicos que se producen en la naturaleza, es por eso que el sonido nos puede parecer enlatado.

La grabación es una herramienta de trabajo y a través de ella se pueden trabajar los siguientes aspectos:

- La afinación: las notas que se quedan un poco bajas, que se atacan altas o bajas, que pierden color y que muchas veces no se es consciente.

- La articulación: en la grabación podemos observar si el texto se entiende o no o en que pasajes se tienen lagunas.

- Aspectos musicales: entradas complicadas, pasajes de cambio de tempo.

- La memoria: escuchar un ensayo general es una gran ayuda para memorizar la obra.

La grabación ayuda y acelera el proceso de aprendizaje pero al principio es necesaria la guia del profesor que indique qué sensaciones se corresponden con una correcta emisión del sonido. Poco a poco el alumno incrementará su bagaje de sensaciones que se corresponden con una correcta emisión.

La grabación también es una herramienta para que el alumno sea cada vez más autónomo y tenga más criterio musical y técnico. El alumno puede valorar desde una posición más objetiva sus progresos y puede asociar las sensaciones que tiene a la hora de cantar con el resultado sonoro.

Es importante que la escucha de la grabación se realice en un entorno tranquilo e invite a la reflexión sobre aquellas indicaciones que se han hecho en la clase o en el ensayo. Muchas veces, el alumno está tan pendiente de hacer lo que se le dice y de tratar de hacerlo bien que el mensaje parece otro cuando se escuchan las idicaciones en frío.

¿Cómo se aborda el estudio diario?

2010-12-07T14:39:00.002+01:00

El estudio en el canto no tiene el mismo enfoque que el estudio en un instrumento musical. Si bien es cierto que para toda actividad musical se requiere el trabajo de la coordinación muscular en el caso de la voz se ha de tener un especial cuidado porque el grado de consciencia corporal que implica el trabajo vocal es muy alto y el patrón muscular debe ser fijado cuidadosamente.

Un instrumentista estudia una partitura tocando prácticamente al mismo tiempo que la lee, un cantante debe tener al música dentro de la cabeza antes de abrir la boca para cantar. Cuando se tiene claro el rítmo, la melodía, la letra, las partes de la canción, etc... uno puede empezar a cantar frase por frase intentando que el cuerpo las reciba de manera natural y las vaya asimilando sin tensiones.

Se podría decir que hay un proceso de aprendizaje que pasa por varias fases:

1. Aprendizaje de la obra: en esta fase se aprende la música, la letra, las partes de la obra, las cadencias y se intenta comprender el sentido general, que se quiere decir, que sentimientos se expresan...

2. Interiorización de la obra: También se conoce como meter la obra en el cuerpo, quiere decir enseñarsela a la voz. En esta fase se toma conciencia de aquellas dificultades que requieren un trabajo concreto y específico. En esta fase se trabaja con un pianista y se fijan las entradas, las cadencias, los cambios de tempo.

3. Memorización y perfeccionamiento de la obra: A esta fase se debe llegar de una forma natural si se sigue el proceso y supone el poder cantar la obra en cualquier momento y circunstancia, la obra está tan interiorizada que ya es parte de uno mismo.

En una sesión de estudio se deben incluir obras que estén en diferentes fases. Esto quiere decir que nunca se para de estudiar. Lo que si que sucede es que con el tiempo se va acortando la duración de las fases.

Por otro lado, es recomendable estudiar obras que se pueden cantar en un corto plazo y obras que requerirá un cierto tiempo poder hacerlas bien, son las obras reto, son las obras que nos hacen salir de la zona de confort (de aquello que nos da seguridad) y nos permiten aprender cosas nuevas y evolucionar.

Estudiar debe ser un proceso creativo en si mismo y se debe ser consciente de qué manera evoluciona la voz. Eso si, siempre recomiendo que no se abuse de las obras reto y que se trabaje sobre todo en aquellas obras que proporcinan una sensación de seguridad porque para cantar bien hay que estar tranquilo y esa tranquilidad proporciona el contexto favorable para el desarrollo artístico.

Verdades y mentiras que mi profesor de canto me contó.

2010-12-04T21:38:00.003+01:00

En este post me gustaría reflexionar sobre algunas cosas que muchas veces hemos dado por sentadas...

El mundo del canto, de los profesores y de los colegas es algo muy muy peculiar. Existen creencias muy extendidas sobre el aprendizaje del canto que se se asumen como verdades y que sería conveniente revisar porque en cuanto se hace una analogía con cualquier otro ámbito resultan absurdas.

Seguro que todos hemos oido alguna vez:

- "Para cantar bien se necesita mucho tiempo".

Si bien es cierto que tener un buen dominio de la voz requiere del trabajo de varios años, no comparto la idea de que cantar aceptablemente lleve tanto tiempo como se quiere hacer creer. En un año se puede aprender el patrón muscular básico de la respiración que después se irá perfeccionando. Después, se necesita tiempo para aprender obras y permitir que la voz vaya evolucionando y madurando.

No es cierto que una persona necesite varios años para poder cantar una obra bien. Siempre hay obras que son apropiadas según el nivel técnico y la madurez vocal del alumno. Es trabajo del profesor hacer una buena elección. Si el profesor no conoce los criterios técnicos de selección y suficiente repertorio, no es problema del alumno.

- "Los resultados tardan mucho tiempo en verse"

A mis alumnos les digo que si después de dos meses de trabajo, si ellos hacen su parte, debe percibirse una evolución en su manera de cantar, deben respirar mejor, tener la voz más colocada, haber ampliado la tesitura al menos en las vocalizaciones, sentirse menos tensos, cantar más cómodos, poder cantar algo que les costaba....

Si esto no sucede siempre digo que la culpa no es del alumno sino que el profesor no está enfocando bien el trabajo.

- "Si vas a un curso o pides otra opnión te vas a perder...".

Muchas veces los profesores tienen miedo a escuchar las opiniones de otros colegas o temen que los alumnos dejen de ir a su clase porque encuetran que otro profesor se ajusta más a sus necesidades. Todo esto no es más que inseguridad del propio profesor y una vez más el alumno debe tomar sus decisiones.

El alumno no es una posesión, el alumno es un cliente que elige y que actúa según aquello que le conviene en cada momento. Si bien es cierto que la relación que se establece entre el alumno y el profesor requiere de mucha confianza y empatía, el profesor no puede perder de vista que llega un momento en el que el alumno se va. Esto no quiere decir que el profesor no deba aconsejar u orientar, pero siempre desde la honestidad y la profesionalidad.

Un buen profesional debe siempre respetar la voluntad del alumno y debería escuchar las opiniones que otros colegas hayan podido formular sobre su manera de enfocar el trabajo. Esto, lejos de desacreditar al profesor debe estimularle a buscar nuevas ideas o incluso reconocer que, quizás, no pueda ayudar al alumno más de lo que lo ha hecho.

Por otro lado, que el alumno se pierda forma parte del proceso de autodescubrimiento y muchas veces es necesrio para que el aprendizaje sea realmente significativo.

- Aún no estás preparado para hacer una actuación... o cualquier actividad que suponga una apertura al público.
La actuación es una parte más del proceso de aprendizaje y el profesor debe valorarlo así y favorecer que el alumno se exponga a esa situación de una manera progresiva y en condiciones adecuadas.

Siempre hay canciones que el alumno puede cantar en base al nivel en el que está. Según mi experiencia, cuando el mecanismo de la respiración empieza a funcionar todo lo demás se va acoplando (posición, articulación, etc) y es, en ese momento, cuando se puede empezar a trabajar alguna obra sencilla con el fin de mostrarla ante un público para tener oportunidad de trabajar la actuación.

Cantar y adquirir tablas en el escenario es un proceso que requiere entrenamiento y se ha de dar por hecho que al principio será un trabajo de ensayo error en el que se tienen que valorar las reacciones del alumno para pautar y concretar el trabajo de la actuación.

¿Qué siento en el escenario?

2010-12-01T19:04:00.003+01:00

Alumnos y personas que me conocen me han preguntado qué siento cuando me subo al escenario.

Lo cierto es qué es algo muy personal y lo cierto es que cada actuación es única. Podría decir que para mi, subirme al escenario es, principalmente, un acto de entrega, un compartir con un público aquello que llevo dentro para intentar crear un momento especial y significativo. Y es algo único porque en la evolución de un artista se produce un enriquecimiento constante que hace que detrás de una actuación estén todas las demás.

Personalmente considero que es un privilegio poder compartir mi mundo a través de la música. Cuando estoy delante del público estoy desnuda, expuesta, frágil y tengo asumido que para poder conectar con los demás debo adoptar una actitud de apertura, de de generosidad. Esta actitud requiere un convencimiento pleno en aquello que se está haciendo. En ese momento dejo atrás todo el trabajo de preparación, todas las dudas, los juicios, las opiniones. Todo eso se debe tener en cuenta antes y después de la actuación pero no durante.

No creo que ningún artista esté satisfecho al 100% de aquello que hace aunque desde fuera se pueda percibir algo como perfecto, siempre hay cosas que en el ensayo salieron mejor, sonidos que podrían haber sido más bonitos, pero esto, lejos de ser algo negativo, es para mi el motor para seguir creciendo y evolucionando. Estas impresiones y valoraciones son guía que uno tiene para su trabajo diario, son la llave de la evolución artística.

Muchas veces me han preguntado si me pongo nerviosa. La respuesta es sí, siempre, pero es un estado psico-físico en el que uno aprende a desenvolverse. El miedo escénico o trac es algo real, todos los sentimos y realmente es una energía muy poderosa, el trabajo del músico consiste en entrar en esa energía y ponerla al servicio de la actuación y puedo decir que llega un momento que da igual cantar delante de 2 que de 200, al concentración y la preparación es la misma. Esta energía poderosa asusta, pero cuando se aprende a canalizarla te permite vivir ese momento con una intensidad tal que todo parece algo natural y fácil.

Dónde y cómo aprender a cantar

2010-11-28T14:17:00.003+01:00

Cuando una persona se plantea aprender a cantar se encuentra con varios interrogantes.

1. ¿Dónde se estudia canto?

2. ¿Qué conocimientos previos necesito?

3. ¿Dónde puedo encontrar un buen profesor?

1. ¿DÓNDE SE ESTUDIA CANTO?

En españa se puede aprender a cantar por varios medios:

1. De manera oficial en un Conservatorio de Música de en el que se impartan Enseñanzas Profesionales de Música o en un Conservatorio Superior donde se impartan las Enseñanzas Superiores de Música que conducen a la obtención de un Título de Grado.

Las enseñanzas oficiales preparan a los estudiantes que buscan adquirir el perfil de cantante lírico, es decir, a aquellas personas que deseen ser cantantes de ópera, oratorio, zarzuela, etc.

Los estudios comprenden en las Enseñanzas Profesionales además de la clase de canto, clases de idiomas, armonía, historia de la música, música de cámara, análisis, piano complementario, etc. Estos esudios tienen una duración de seis años.

Los Estudios Superiores de Música tienen una duración de cuatro años y conducen a la obtención de un título de Grado. Es una formación más completa y especializada.

2. De manera no oficial en escuelas de música. Muchas escuelas de música privadas incluyen una oferta formativa dedicada a aquellas personas que quieren aprender a cantar pero no tienen como objetivo la obtención de un título oficial o no tienen el perfil de cantante de ópera.

3. De manera no oficial con un profesor particular. Existen profesores de canto que por determinadas circunstancias ofecen sus servicios de una manera autónoma.

2. ¿QUÉ CONOCIMIENTOS PREVIOS NECESITO?

Para acceder a las Enseñanzas Profesionales de Música en la especialidad de canto se hace una prueba de acceso en el mes de junio que consiste en una prueba de lenguaje musical (que valora que se tienen los conocimientos establecidos en el currículo de las Enseñanzas Elementales de Música) y una prueba de las condiciones vocales, generalmente un ejercicio de vocalización y la interpretación de una canción o aria antigua de nivel básico.

Si la persona no ha cursado las Enseñanzas Elementales de Música en algún otro instrumento debe prepararse no solo la prueba de canto sino también la de lenguaje musical. Esto se requiere para asegurar que el alumno tiene unos conocimientos de lectoescritura musical y una educación auditiva mínima.

Para acceder a una escuela de música no se piden tantos requisitos y además es muy posible que la escuela de música ofrezca la posibilidad de la formación en materia de lenguaje musical en grupos específicos de adultos. Una escuela privada ofrece una personalización de la docencia que se ajuste a las necesidades, el nivel y los objetivos del alumno porque cuenta con profesorado preparado para ello.

Un profesor particular debe tener la flexibilidad para trabajar diferentes niveles, desde principiantes hasta personas que llegan con una cierta formación vocal y musical. El profesor particular debe procurar conocer los objetivos que el alumno pretende conseguir con las clases y qué es lo que puede ofrecerle.

3. ¿DÓNDE PUEDO ENCONTRAR UN BUEN PROFESOR?

Existen asociaciones de profesores de canto que exigen a sus miembros una formación y una trayectoria en la profesión y que pretenden evitar el intrusismo en la profesión. Cualquiera puede dirigierse a ellas para solicitar información.

La calidad de un profesor debe medirse por los resultados, es decir, por la formación que proporciona a sus alumnos y la calidad de la misma. Un alumno debe comprobar que un profesor obtiene buenos resultados porque todos sus alumnos progresan y hoy en día el alumno puede comprobar sus progresos a través de la grabación de las clases o las actuaciones.

Cómo cantar. Segunda entrega

2010-11-26T23:53:00.003+01:00

Hasta que el aire pasa por las cuerdas vocales todos los seres humanos compartimos una misma anatomía que permite explicar la técnica de respiración a todos de una manera sencilla.

Las cuerdas (su tamaño, grosor, etc) determinan cómo se va a producir el sonido básico pero son las cavidades de resonancia las que van a caracterizar una voz. El control de la columna del aire hará que ese sonido se vaya asentando progresivamente y la voz se vaya desarrollando de una manera flexible y coherente. La labor de un profesor de canto es guiar al alumno en el descubrimiento de las sensaciones que se ajustan a una emisión adecuada porque la realidad es que las sensaciones fonatorias que se producen en la boca, la cara, la cabeza, son tan propias y personales de cada cantante que es él el que debe descubrirlas y contrastarlas con la ayuda del profesor que le ayudará a hacer la foto a la sensación para poder memorizarla y repetirla. Muchas veces digo que la técnica de cada persona es su bagaje de sensaciones fonatorias que se corresponden con una correcta emisión.

Cómo cantar. Primera entrega

2010-11-24T23:01:00.003+01:00

Cantar de una manera sana requiere un entrenamiento muscular igual que cualquier actividad que requiera una coordinación motora (patinar, conducir, ir en bicicleta).

A mis alumnos les explico que se trata de aprender ese patrón muscular, hacer que ese patrón se repita siempre bajo las mismas pautas y trabajarlo durante el suficiente tiempo para que el cuerpo lo automatice.

Quizás suena sorprendente porque la realidad es que la técnica vocal no es nada extraño ni ajeno a la naturaleza humana, eso sí, hay que conocer cómo funcionan las diferentes partes del cuerpo para que se produzca la emisión de sonido y hay que saber la manera adecuada de darle la información al cuerpo y al cerebro.

Para que el sonido se emita con facilidad y libertad se debe entrenar muy bien toda la musculatura de la cincha abodminal (recto del abodmen, oblicuos, costales, etc). Si esta musuculatura no está fuerte no soportará las exigencias que el control de la columna de aire le va a requerir.

En el momento de emitir sonido toda esa musculatura debe participar de una manera coordinada y flexible, sin un sobreesfuerzo. Un exceso de tensión debido a una falta de fortaleza de la musculatura de la cincha provoca vicios que también se memorizan. El cuerpo y el cerebro no distinguen entre lo que está bien y lo qué está mal.

Y os preguntareis cómo se fortalece esa musculatura, pues con gimnasia respiratoria y ejercicio regular. La gimnasia respiratoria consiste en una serie de ejercicios que se hacen mientras se respira y que permiten el fotalecimiento de los músculos implicados en la respiración.

Una vez que la musculatura está preparada hay que aprender a impusar el aire de manera que al pasar por las cuerdas vocales el aire se convierta en sonido y se enriquezca con los armónicos que se generan según las características de los espacios de resonancia de cada persona. Esto hace que personas con una forma de la cara parecida tengan voces similares muchas veces.